THE RUNAWAYS (2010) - Floria Sigismondi

The Runaways fue un grupo estadounidense de los años setenta formado por chicas adolescentes. El manager Kim Fowley es el artífice de lanzar el primer grupo rockero unicamente con chicas. El éxito les mantuvo durante varios años y la película relata ése ascenso y caída musical, mezcla de rock, de punk, de sexo, drogas y crecimiento personal; partiendo del libro escrito por la vocalista Cherie Currie.

El punto de partida es bueno y espero un film interesante con buenas canciones y recreación del panorama rockero de los años setenta. Me encuentro con una película que se lanza de cabeza a contar los aspectos más sordidos de éstas chicas adolescentes. La escena inicial muestra la primera regla de la cantante quinceañera, con su sangre goteando en el asfalto por lo que tiene que improvisar una compresa con papel higiénico en unos baños públicos. A partir de ahí no hay vuelta atrás. Drogas, sexo, insultos, peleas, motivación agresiva por parte del manager, alcohol, provocación y poca música.

Joan Jett la guitarrista y alma del grupo, y Cherrie Currie la vocalista; son las protagonistas del relato. El resto del grupo interesa menos, son meras comparsas. Y es una lástima porque el relato avanza con escenas que quieren ser impactantes, pero que en realidad, consiguen que me vaya despegando de la historia, que me interese poco lo que les pasa, aunque mis perspectivas eran buenas.

Serán muchos los adolescentes que se acercarán a The Runaways atraídos por las dos actrices principales: Kristen Stewart y Dakota Flanning, famosas sobre todo por la saga Crepúsculo, y me resulta bastante jocoso pensar en los padres que van a acompañar a sus hijos a ver la película y lo escandalizados que acabarán desde los primeros minutos y a lo largo del metraje.

A mí, como espectador, eso no me preocupa, mi hija ya la verá dentro de unos añitos, ahora ni de coña. Me gustan los relatos morbosos y desmedidos, que me cuenten algo, pero en esta ocasión, el aburrimiento es la palabra con la que definiría la visión de la peli. Lo mejor es que me ha hecho interesarme por el grupo, su historia y su música, aunque aquí eso parezca lo de menos. Lo importante es la carnaza, el escándalo, la provocación, o por lo menos a mí me llama la atención que todo eso, que formaría parte del grupo, no lo niego, sea lo que destaque sobre el resto de la historia.

NOTHING PERSONAL (2009) - Urszula Antoniak

Una chica vagabundea por un solitario paisaje irlandés, con su mochila, tienda de campaña y sin una dirección determinada. Cuando conoce a un hombre mayor que vive sin compañía en una casa, llega a un acuerdo con él de ayudarle trabajando a cambio de comida, sin nada más que les una, sin contarse nada personal el uno del otro.

Con un argumento parecido a la huida existencial de la mujer de Villa Amalia, que en estos días comparte cartel en los cines madrileños, me encuentro con una historia de ritmo pausado, pocas palabras y dos únicos personajes. Su diferencia más evidente con la cinta protagonizada por Isabelle Huppert es que allí se conocen los motivos para que la chica escape del mundanal ruido, mientras que aquí no se ofrecen esos antecedentes.

El resultado me resulta bastante soso, con falta de aristas a las que agarrarme como espectador, y aunque tanto Stephen Rea como Lotte Verbeek, están muy bien y consiguen cierta química, no acabo de llegar a conseguir la empatía necesaria con sus personajes, como para dejarme arrastrar por lo que aquí me cuentan. Ni siquiera el triste final o las bonitas imágenes de las localizaciones consiguen ese propósito y más bien me quedo frío, algo muy malo para engancharme en una cinta de estas características.

LA FILLE DU RER (La chica del tren, 2009) - André Techiné

Partiendo de un suceso real ocurrido en Francia, la denuncia inventada de una joven de haber sido víctima de un ataque antisemita, que ya había sido llevada al teatro en la obra "RER" (siglas de los trenes de cercanías francesas), el prestigioso director André Techiné, ha realizado esta película.

Dividida en dos partes (las circunstancias y las consecuencias), se muestra una historia en la que la joven protagonista se encuentra un poco perdida en su paso a la madurez. Así que después de un grave percance delictivo con su novio, inventa la denuncia que le lleva a ser parte importante de un suceso falso que conmocionó a la sociedad francesa.

En los papeles protagonistas destacan Émilie Dequennne (la chica), Nicholas Duvauchelle (su inquietante novio) y Michel Blanc (el abogado judío). Por contra, Catherine Deneuve (la madre) no me convence en un rol que parece hacer sin demasiadas ganas.

Techiné cuenta los hechos sin poner los puntos sobre las ies, sin profundizar en los porqués, solamente muestra sin tomar partido, y lo hace de maravilla. La puesta en escena deja imágenes que perduran como la chica en sus patines, los trayectos en el tren de cercanías , o las conversaciones por videoconferencia en las que las frases se superponen a los rostros. Pero lamentablemente el resultado final acaba siendo demasiado disperso, sin decantarse por ninguna de las caras del relato y llegando su final con un sabor de obra no del todo conseguida.

EL PUENTE (1977) - Juan Antonio Bardem

Juan Antonio Bardem rueda una adaptación del relato de Daniel Sueiro "Solo de moto" (1967) así como de otros del mismo autor (por ejemplo, "El cuidado de las manos"), elaborando un guión con el escritor y Javier Palmeiro. La decisión más curiosa es que el protagonista sea Alfredo Landa.

Juan trabaja de mecánico de automóviles pero no quiere saber nada de sindicatos ni de huelgas. Los próximos días pretende disfrutar del puente laboral e irse a pasarlo bien con una chica, pero ésta le deja plantado, por lo que decide viajar con su motocicleta hasta Torremolinos, dónde con suerte podrá ligarse a alguna extranjera.

El puente, es tanto el largo fin de semana cómo un título que metaforicamente busca el paso a la conciencia social de un personaje que vive totalmente ajeno a esa reflexión. Juan vivirá experiencias que le harán cambiar de actitud y Bardem rodará su primera película después de la transición con un claro afán didáctico para el público español, desde su mirada política de izquierdas de militante del PCE.

La figura de Alfredo Landa, sirve además para criticar el landismo, el cine de evasión que se adjetivó con el apellido del actor. Así que con su motocicleta, Juan conocerá la cara oculta de lo que él buscaba: un grupo de teatro independiente, los familiares de un preso vasco en el penal de Ocaña, inmigrantes marroquies, emigrantes españoles que trabajan en Alemania, o los parados de Andalucia. Vale, que algunos de estos episodios resultan cuanto menos risibles, pero me gusta comprobar la valentía de la propuesta a pesar de sus defectos. Me hace sonreír ver a Alfredo Landa (que en su vida personal no ha ocultado su ideología conservadora) en ese cambio de ideas a la que le lleva el trayecto por las carreteras españolas de finales de los setenta, con su Montesa "La Poderosa".

THE GHOST WRITER (El escritor, 2010) - Roman Polanski

Muchas expectativas antes esta nueva película de Roman Polanski aunque yo me acerco a ella con mi habitual escepticismo. Prefiero no dejarme llevar por los piropos ni por las críticas negativas. Mi experiencia es que casi siempre el espectador se pone en uno de los dos extremos.

El primer ex ministro británico contrata a un escritor para que escriba sus memorias que ya están casi terminadas por un predecesor que ha muerto en circunstancias extrañas. Cuando van saliendo oscuras revelaciones del papel político del ex ministro, la trama se complica y lo que parecía un trabajo fácil se vuelve peligroso con la aparición de sus contactos con la CIA y su intervención clave en la guerra de Irak.

De este apunte de guión que adapta la novela de Robert Harris, se nutre la historia de un thriller político en el que las escenas de acción son escasas, siendo los actores y el ambiente, los ingredientes más importantes de la obra. Ewan McGregor es el escritor fantasma (en España se hurta el adjetivo al título porque les da la real gana), Pierce Brosnan el ex ministro y Olivia Williams su esposa. Me gusta ese ingrediente actoral y el ritmo de la historia me engancha, aunque no me deja tan extasiado como a los autores de algunas críticas que he leído.

Roman Polanski es un gran director, su filmografía contiene joyas para ver una y otra vez. Con ésta obra ha vuelto a recibir grandes halagos. Los míos van por un ambiente genial subrayado con la música y las localizaciones, así como la brillantez de las últimas escenas: el atentado, el discurso de la esposa: o el maravilloso final en la calle con el protagonista fuera de plano y las hojas del libro volando. No diría que es una obra maestra, que se pueda comparar con algunas de los grandes thrillers de Hitchcock, pero es una muy buena película que demuestra el buen pulso narrativo de su director.

ONE WEEK (2008) - Michael McGowan

Película canadiense que no se ha estrenado en España y que he conseguido gracias a las bondades del P2P. De esas pelis que después de ver, me dejan pensando que podría estrenarse perfectamente porque es una bonita historia con gancho y que seguro que tendría relativo éxito en las salas del circuito de versión original.

No es mi problema así que paso a lo que iba, a hablar de One week. El protagonista, Joshua Jackson dice mi chica y la imdb que es conocido porque entre otras cosas sale en la serie Dawson crece; recibe la noticia de que tiene un cáncer terminal por lo que debe ponerse en manos de los médicos y someterse a un tratamiento. Ahora que está preparando su próxima boda, ahora que su vida parece encaminada, Ben (que así se llama el tipo) se encuentra con que su salud le juega una mala pasada.

Claro que nunca se sabe lo que nos espera, la vida no se puede planificar y Ben decide viajar en moto por el país, escapar del mundanal ruido y darse un garbeo antes de intentar curar su enfermedad. Su novia y familiares no le entienden, pero él no se desanima y así empieza esta road movie, en la que una voz en off de narrador omnipresente nos lleva por las aventuras que Ben tendrá antes de su regreso.

La película se ve con agrado, tiene partes divertidas, reflexivas o contemplativas; como corresponde a este peculiar viaje en moto de una persona que se busca a sí mismo, que se da cuenta que se ha dejado llevar, que tal vez su vida ideal no es la que estaba viviendo, que es hora de hacer ese viaje soñado, escribir los libros con los que soñó y cantar las canciones que alguien le dijo que era incapaz de entonar. Bonita historia que recomiendo buscar en esta red, fuente inagotable de lo que el mercado cultural no nos ofrece por otras vías.

Exposición FEDERICO FELLINI. EL CIRCO DE LAS ILUSIONES.

Aprovecho una mañana libre de un día entre semana para ir a ver ésta exposición en CaixaForum de Madrid.

Por su completísimo material me recuerda a la que se hizo en el mismo museo sobre Chaplin justo ahora hace dos años. La diferencia es que conozco mucho mejor el cine del cómico británico que la obra de Fellini.

Aquí también hay pantallas reproduciendo secuencias de sus películas, así como abundantes fotografías y carteles. Me da la impresión que sobre todo se recrea en películas como La dolce vita o 8 1/2, abandonando otras de su filmografía. De todas formas, es disfrutable, se ve con comodidad y enriquece la visión sobre un cineasta singular, con su propio universo y al que yo compararía en algunas cosas con el de Almodovar: su éxito internacional, sus obsesiones estilísticas y temáticas como marca autoral, que se utilice la palabra felliniano igual que se usa almodovariano, su cine mediterráneo, o el interés que su cine tuvo en sus años de esplendor en todo el mundo y especialmente en Estados Unidos.

No soy un experto en Fellini, solamente un espectador atrasado que todavía tiene que conocer lo que ha supuesto su legado artístico para la historia del cine.

THE MAN WITH THE GOLDEN ARM (El hombre del brazo de oro, 1955) - Otto Preminger

Llevaba tiempo interesado por esta película después de haber visto alguna imagen con Frank Sinatra drogándose. El otro día encontré por casualidad el DVD en una tienda a un precio ridículo y se vino conmigo a casa.

Hace poco escribía unas líneas sobre mi desconocimiento de la filmografía de Otto Preminger al reseñar Bonjour tristesse (Buenos días, tristeza, 1958) y ahora de nuevo me lo encuentro dirigiendo ésta interesante película, adaptación de la novela homónima de Nelson Algren. Lo destacable es lo que a mí me llamaba la atención: que es una producción hollywoodiense con estrellas cómo Frank Sinatra y Kim Novak, que trata sobre un heroinómano, incapaz de alejarse de su destructiva adicción.

En un maravilloso blanco y negro, con música de jazz, y situada en un barrio de Chicago, dónde el juego y el alcohol son parte de la rutina de sus vecinos, vemos a personajes secundarios inolvidables y a los protagonistas unidos por su mala suerte. Frankie (Frank Sinatra) es el mejor repartiendo las cartas en las partidas clandestinas de poker, pero sus buenas intenciones pasan por abandonar esa vida y conseguir ser músico sentado en la bateria de una banda de jazz. Su mujer (Eleanor Parker) está en una silla de ruedas y cada día su desequilibrio es más evidente; pero el verdadero amor de Frankie es Molly (Kim Novak) que trabaja en un club de strippers y es pareja de un borrachín.

Al igual que en The Lost Weekend (Días sin huella, 1945) se trataba la odisea personal del alcohólico; aquí el tema principal es la toxicomanía, el enganche a la heroína, la obsesión por pincharse, el mal vivir de un personaje débil ante el deseo inevitable que le impide alejarse del vicio que le quema la vida. Está claro que es una película de los años 50, que no son los heroinómanos de Eloy de la Iglesia en las pelis de quinquis que se rodaron veinte años después en España, pero mi curiosidad ha quedado satisfecha con creces. ¡Si hasta Frankie pasa el mono encerrado en una habitación! Una buena e interesante película que ya puedo tachar de mi lista de "tareas pendientes".

SOUL KITCHEN (2009) - Fatih Akin

Fatih Akin, director alemán de origen turco, se ha adentrado en el territorio de la comedia después de sus dramáticos relatos en Gegen Die Wand (Contra la pared, 2004) y Auf Der Anderen Seite (Al otro lado, 2007). Después de haber visto esas dos anteriores películas, se hace extraño verle en tales menesteres.

Soul Kitchen, es por lo tanto, una comedia, pero que no abandona el interés de su director por la mezcla cultural en un relato que parte de un protagonista griego propietario un restaurante de fritura, al que da un giro total al contratar a un nuevo cocinero gitano y a un grupo musical que actúa en el local. Su hermano con permiso condicional carcelario, la camarera okupa, el viejo lobo de mar, el amigo mafioso, los inspectores del fisco, la novia que se ha tenido que ir a trabajar a China; todos conforman un mosaico de personajes que aderezan el tono buscado de comedia ligera.

Y digo ligera, porque la película transcurre sin mucha enjundia, el relato no entra en profundidades ni sutilezas, pero entretiene, sin poder evitar cogerle cariño a los personajes, disfrutar de buena música y descubrir que Fatih Akin ha conseguido un relato divertido sin mayores pretensiones.

SAW (2004) - James Wan

Ya sé que estoy desfasadísimo por haber visto ahora la primera película de Saw cuando ya se han rodado siete continuaciones (una por año y la última en 3D), pero cada uno tiene su ritmo. El cine de terror moderno parece que con ella encontró un filón y mi acercamiento no puede evitar buscar las razones en este primer germen.

El planteamiento inicial es muy bueno: dos desconocidos se encuentran encadenados en un lugar sin saber como han llegado hasta allí y entre ellos hay un cadáver de un hombre que se ha suicidado. Por lo pronto, nos meten en la trama, con ímpetu y ganas de no soltarnos. Lástima que salgamos de ese lugar claustrofóbico, que el puzzle para resolverse necesite miradas al exterior y miradas al antes de los hechos; lástima que se usen giros tanto estilísticos por una cámara inquieta, cómo de guión por su a ratos enrevesada historia.

Vale que la historia es buena, que a ratos acongoja, que no abusa del gore y que tiene una atractiva pirueta final, pero tampoco creo que sea el summum del terror cinematográfico o a mí, por lo menos, no me lo parece.

FISH TANK (2009) - Andrea Arnold

Mia es una quinceañera inglesa que vive junto a su madre y hermana pequeña en unas condiciones familiares con una falta absoluta de educación y reglas. Bebe, fuma, no va al colegio y su única preocupación es bailar en solitario cuando se emborracha. La madre, alcohólica y despreocupada del futuro de sus hijas, se dedica a divertirse de la mejor manera posible. El ambiente cambia cuando aparece por casa el nuevo novio de la madre que, por lo menos, parece una persona con algún tipo de inquietudes.

El relato no es demasiado angustioso, la historia cuenta lo que cuenta sin más: jóvenes sin mayor aliciente que sobrevivir en un mundo hostil. Y la cámara sigue a Mia, en los quehaceres diarios: sus peleas con las otras chicas de su edad, el intento de liberar a una yegua, la total cotidianidad con la que usa el alcohol o su mirada insegura sobre la nueva persona que entra en su vida: el novio de su madre.

Hay un punto de inflexión en el relato que lleva todo a un grado más desagradable, y a partir de ahí, no hay vuelta atrás. Mia debe escapar de esa "fish tank" (pecera) en la que se encuentra encerrada porque allí no tiene mucho porvenir.

La película no es especialmente destacable en ningún aspecto, tal vez lo mejor son los actores. La debutante Katie Jarvis como Mia; Kierston Wareing es su madre (actriz que recuerdo de It's a free world de Ken Loach) y Michael Fassbender como su novio. Me parece que todo se queda un poco con medias tintas, ni me convence como reflejo de una juventud sin valores por su situación social, ni como denuncia de ese carencia de valores. Para película fuerte y brillante, con un tema parecido, me quedo con Lilja 4-Ever.

AFTER (2009) - Alberto Rodríguez

Tres amigos, dos hombre y una mujer, cercanos a los cuarenta años, se reúnen una noche. Ana es una mujer guapa que no se decide a formalizar sus relaciones; Julio un ejecutivo con éxito que salvo encuentros esporádicos mantiene una soledad que le atormenta; y Manuel, con pareja y un hijo, se agobia por una vida acomodada en la que su incapacidad para ser padre es cada día más evidente. Esa noche cenarán, saldrán de copas, compartirán deseos, excesos y volverán a sus respectivas soledades.

Alberto Rodríguez después de codirigir la a ratos divertida, El factor Pilgrim (2000), con Santi Amodeo; llevaba dos películas en solitario: la fallida El traje (2002) y la interesante por su fuerza narrativa, 7 vírgenes (2005). Con After se atreve a narrar un relato triple en el que desdobla la historia en cada uno de los personajes mostrando en ocasiones las mismas partes desde diferentes puntos de vista. Esa triple mirada se me hace repetitiva y el mayor defecto de la película.

Los actores son la parte que más me gusta. Los tres están fantásticos, Tristán Ulloa tan excelente como siempre, Guillermo Toledo muy valiente en un papel difícil que salva con nota, y la debutante Blanca Romero, también en un gran nivel.

A mi me interesa la historia de estos amigos desencantados que se desfasan una noche como símbolo de su perdida absoluta en el laberinto de la madurez. Igual que me gusta como se muestra de dura y sincera, esa noche loca de sexo, drogas, alcohol y amistad. Es cierto que hubiera preferido menos experimentos narrativos, que todo se contara linealmente y no en ese triple relato para cada uno de los personajes, pero no por ello creo que After deje de ser una película apreciable con muy buenos momentos. Me sobran cosas pero me quedo con otras que me han gustado.

MISTERY OF THE WAX MUSEUM (Los crímenes del museo, 1933) - Michael Curtiz

Un museo de cera de Londres dedicado a recrear hechos históricos, es compartido por dos socios: el que pone el capital y el artista que hace las figuras. El primero quema el museo para así poder cobrar el seguro de incendios, que le haga recuperar el dinero invertido. Durante el incendio el artista sufre quemaduras en su cuerpo al intentar impedir que toda su obra sea pasto de las llamas. Doce años después reaparece en Nueva York dónde pretende volver a montar un negocio de similares características.

Tapada históricamente por el éxito de su remake, House of wax (Los crímenes del museo de cera, 1953) - André de Toth; y rescatada después de que durante años se pensara que se había perdido; se trata de todo un clásico del cine de terror y misterio de los años treinta. Producida por la Warner y rodada en Technicolor de dos tonalidades, técnica que se uso poco y que le confiere un extraño aspecto visual.

La trama se divide en dos arcos argumentales que discurren en paralelo. Por un lado, la historia del creador del museo que en su locura quiere recrear las figuras de cera que perdió, usando moldes humanos y que además se muestra obsesionado cuando encuentra a la mujer que puede ser su obra maestra encarnando a María Antonieta. Y al mismo tiempo, tenemos las pesquisas de una periodista que investiga el caso con interés en encontrar una noticia que le mantenga en su puesto de trabajo. Ésta segunda trama fue eliminada por completo en el remake de 1953.

El peso principal de la interpretación recae en Lionel Atwill como el escultor de figuras de cera; y en Glenda Farrel como la periodista, con una personalidad independiente y audaz, muy propia del prototipo de la mujer norteamericana de la década de los treinta. La bella Fray Wray es la chica que el escultor querrá usar como modelo de la figura que más le obsesiona.

El director Michael Curtiz ya había dirigido algún film de género fantástico como The Mad Genius (El ídolo, 1931), El doctor X (1932) o posteriormente The walking dead (Los muertos andan, 1936).

Es inevitable las comparaciones de esta película con su remake, debiendo comenzar diciendo que éste es muy superior al film original. Lo más destacable es que resulta acertadísima la eliminación de la trama de la periodista, pero ya lo trataré mejor cuando comente el remake.

Aquí tenemos una historia interesante que se traslada de Londres a Nueva York, dónde el monstruo (el escultor deformado por las llamas del incendio) aparece poco: en la morgue, en el almacén del contrabandista y en la escena final en el laboratorio del museo. No se trata de un film excelente pero su visión me ha servido para compararlo con el remake y comprobar la maestría con que se rodó este último.

HOUSE OF WAX (Los crímenes del museo de cera, 1953) - André De Toth

En el post anterior comentaba que se trata de un remake de Mystery of the wax museum (Los crímenes del museo, 1933) - Michael Curtiz; y ambas en España fueron rebautizadas con la palabra crímenes. Supongo que para que el espectador supiera que iba a ver. En fin, no quiero lanzar mis improperios contra el cambio de títulos, quién me lea habitualmente ya sabe mi opinión.

Veinte años después y dirigida por André De Toth, se estrenó este auténtico clásico del cine terrorífico, mitificado hasta el extremo y que todavía conserva sus cualidades. Una gran película de terror y suspense, sobre la que ya escribí que trata sobre un museo de cera dedicado a recrear hechos históricos, compartido por dos socios: el que pone el capital y el artista que hace las figuras. El primero quema el museo para así poder cobrar el seguro de incendios, que le haga recuperar el dinero invertido. Durante el incendio el artista sufre quemaduras en su cuerpo al intentar impedir que toda su obra sea pasto de las llamas. Tiempo después reaparece pretendiendo volver a montar un negocio de similares características. Así nos encontramos con la historia del creador del museo que en su locura quiere recrear las figuras de cera que perdió, usando moldes humanos y que además se muestra obsesionado cuando encuentra a la mujer que puede ser su obra maestra encarnando a María Antonieta.

En el remake ha desaparecido toda referencia a la trama que en la película original se centraba en una mujer periodista que investigaba el caso. El acierto es mayúsculo ya que aquí se resta todo lo innecesario que allí aparecía, y el relato gana en tensión, en suspense y en interés cinematográfico.

Otras diferencias evidentes entre ambas versiones es que aquí la acción se sitúa en Nueva York (Londres era el lugar del primer museo en la original), el monstruo aparece muchas más veces, el segundo museo tiene una parte dedicada al horror como concesión a los gustos del público, el ayudante del escultor es borracho y no drogadicto, Igor no es el nombre del escultor sino de uno de sus ayudantes, y hay mucha más tensión argumental al ser la amiga de la chica asesinada la que la reconoce como una de las figuras de cera, mientras que en la original era la periodista la que investigaba sobre ese parecido físico.

Tecnicamente más elaborada, en parte porque aquí el color (Warnercolor) tiene todos los matices que faltaban en el Technicolor de dos tonalidades de la original, así como en el uso del ahora tan celebrado 3D. Recuerdo haber visto esta película en el cine de mi ciudad en 3 dimensiones y ahora al volver a verla en DVD se notan las escenas que sacaban más partido de esa tercera dimensión: un objeto lanzado en la pelea del principio, el animador que juega insistentemente con las bolas unidas con una cuerda a las paletas, las chicas levantando sus piernas mientras bailan el can can o las llamas del incendio.

Aunque hay muchas escenas calcadas entre las dos versiones y partes de la trama completamente iguales, en éste remake el resultado final es mucho mejor. No quiero olvidarme de la gran creación de Vincent Price en el papel principal. Aquí el monstruo tiene mayor protagonismo y se agradece su presencia como en la persecución de la chica por las calles brumosas de la ciudad nocturna.

La película se ha mantenido como un gran clásico terrorífico y vista ahora me parece un claro antecedente de los cercanos terrores de la productora Hammer. The revenge of Frankenstein (La maldición de Frankenstein, 1958) - Terence Fisher, aparecería solamente cinco años después.

ISLAND OF LOST SOULS (La isla de las almas perdidas, 1932) - Erle C. Kenton

Adaptación de la novela La isla del doctor Moureau (1896) de H.G. Wells, en la que un científico experimenta la evolución de los animales en humanos. El protagonista, naufrago en su travesía, acaba siendo un huésped en la isla dónde es patente el régimen del miedo que el doctor Moureau ejerce sobre sus criaturas. La presencia de una exótica mujer pantera atraída por el recién llegado, hace que éste se vea envuelto en parte del experimento.

El reparto se sitúa a gran nivel por la interpretación de Charles Laughton en el papel de Moureau. También aparece en un papel secundario Bela Lugosi, irreconocible bajo el peludo aspecto de "el predicador de la Ley". No hay peros para el resto de los actores, desde las demás criaturas, a la pareja de enamorados (Richard Arlen y Leila Hyams), el ayudante del doctor (Arthur Hohl) o la mujer pantera (Kathleen Burke).

Erle C. Kenton, el director, sería años más tarde, el encargado de dirigir varias películas de los monstruos de la Universal: The ghost of Frankenstein (1942), House of Frankenstein (1944) y House of Dracula (1945), así como algunas de las interpretadas por los cómicos Abbott y Costello en la misma productora.

Island of the lost souls mantiene su fascinación intacta, a pesar del tiempo transcurrido desde su estreno, con un relato bien construido (en sólo 70 minutos de metraje), una historia atrevida para la época (fue prohibida en Inglaterra) y una gran ambientación en decorados y maquillaje (eso que su presupuesto fue menor a lo esperado).

La novela de H.G. Wells ha tenido otras adaptaciones. Dos de las más famosas son de 1977 y 1996, con el papel principal para Burt Lancaster y Marlon Brando, respectivamente.

THE WALKER (2007) - Paul Schrader

Me interesa la manera que tiene Paul Schrader de fijarse en mundos y personajes fuera de lo común. Ha dirigido películas en la que sus historias me han impactado: American Gigolo (1980), Cat People (El beso de la pantera, 1982), Light Sleeper (Posibilidad de escape, 1992), Affliction (1997) o Autofocus (Desenfocado, 2002). También se nota su sello de guionista en algunos trabajos que ha escrito para que otros los dirigieran, cómo The Yakuza (1974), Taxi Driver (1976), Raging Bull (Toro salvaje, 1980) o The last temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988).

Soy consciente de que su cine es algo extremista en sus personajes obsesivos con historias nada autocomplacientes y amorales, que a mí siempre me han gustado. Por eso, me tiro de cabeza a ver ésta película que creo que en España no llegó a estrenarse en cines.

Lo que me encuentro es a un magnífico Woody Harrelson que interpreta a un homosexual acompañante de mujeres ricas (el "walker" del título) que se ve envuelto en el asesinato de un político y una trama por la siempre eterna lucha por el poder. Aunque tanto éste actor como sus compañeras de reparto Lauren Bacall y Kristin Scott Thomas, consiguen que no abandone la película, la verdad es que la historia se me hace bastante aburrida, sin levantar nunca el vuelo y en mi opinión, quedándose en un punto flojo en la filmografía de su director al que seguiré admirando.

AMREEKA (Amerrika, 2009) - Cherien Dabis

Madre e hijo, se trasladan desde Palestina a Estados Unidos, con el fin de aprovechar una beca que él ha recibido para estudiar allí. Sus vidas darán un vuelco, aunque tengan el apoyo de la hermana de la madre, su marido y sus dos hijas. Así que serán acogidas en ese hogar familiar y tendrán que empezar a descubrir que no es tan fácil adaptarse al deseado paraíso norteamericano.

La cinta ofrece una mirada sencilla sobre la integración de dos palestinos a la vida en Estados Unidos, que comienza justo cuando ha empezado la invasión del ejercito norteamericano en Irak, y la sociedad identifica a cualquier extranjero de rasgos árabes como a un enemigo.

La interpretación de Nisreen Faour en el personaje de la madre, da el tono de complicidad que el espectador condescendiente necesita para que la historia transcurra sin demasiada problemática. Es un producto afable que no pretende hacer hincapié en el drama, pero que no por ello deja de ser bonito, y agradable como relato.

De nuevo está en el reparto, Hiam Abbas, una actriz que me he encontrado en un montón de películas que he visto ultimamente: Etz Limon (Los limoneros, 2008), The visitor (2007) y Free Zone (Zona libre,2005).

VILLA AMALIA (2009) - Benoit Jacquot

Llego hasta Villa Amalia por mi interés en el trabajo interpretativo de Isabelle Huppert, una actriz que ha mostrado personajes desequilibrados, morbosos en intrigantes, en un buen puñado de films, de los que ahora recuerdo The Piano Player (La pianista, 2001) y La cérémonie (La ceremonia, 1995).

Aquí también interpreta a una mujer atormentada interiormente que cuando descubre la infidelidad de su marido, decide abandonar su entorno, vender la casa, el coche, dejar su trabajo y romper todos los lazos con su vida actual. En esa búsqueda utópica de un lugar que le purifique, encuentra el sitio del título de la película.

El relato se encadena lleno de elipsis narrativas, de silencios, de situaciones marcadas por el rostro de la protagonista y su desesperada huida hacia ninguna parte. Y aunque es interesante su recorrido, no me convence ni como historia ficticia ni como apunte de vida. Ella es demasiado fría para mi gusto y no logro conectar con su forma de rebelarse. Simplemente no me convence.

Cortometrajes de Harold Lloyd

Sigo viendo cortometrajes interpretados por Harold Lloyd de la colección de DVDs que compré y que me está permitiendo conocer la filmografía de éste cómico. Todos los que aquí reseño son mudos y de 1919 a 1920. Su pareja cinematográfica en todos ellos es Mildred Davis.

FROM HAND TO MOUTH (Con apuros, pero a tiempo, 1919) - Alfred J. Goulding y Hal Roach

El cortometraje en el que Mildred Davis se convirtió en pareja oficial de Harold Lloyd. El chico ayuda a la chica a cobrar una herencia. Tiene persecuciones policiales sin muchos elementos a destacar.


HAUNTED SPOOKS (Tribulaciones, 1920) - Alfred J. Goulding y Hal Roach

Durante la preparación de ésta película, Harold Lloyd perdió dos dedos de una mano.

Una chica debe vivir en una casa encantada con su esposo para herederla. Harold se casa con ella y soportan como pueden las trampas y sustos que les preparan los que quieren que abandonen esa supuesta casa encantada.

Tiene buenos gags y es divertida la parte que ocurre en la casa con los actores negros asustados. Es famoso el plano de Harold con los pelos erizados.

AN EASTERN WESTERNER (Por el corazón de Jenny, 1920) - Hal Roach

El protagonista es un juerguista al que sus padres mandan a un pueblo rural para que espabile. En el oeste conoce a una chica a la que los malvados de turno tienen secuestrado a su padre. No me convence la mezcla de western con comedia dónde veo a Harold Lloyd muy fuera de sitio.

HIGH AND DIZZY (Harold, el nuevo doctor, 1920) - Hal Roach

Harold es un doctor sin pacientes, cuando tiene uno, se disfraza de otros pacientes para disimular su poco trabajo. Cuando se emborracha con un amigo acaba haciendo equilibrios por la cornisa de un edificio, en parte persiguiendo a la chica que es sonámbula. Al final se casarán desde su ventana con un cura oficiando la boda desde el piso de abajo.

Es un precedente de Safety Last (El hombre mosca, 1923) uno de sus films más famosos, porque hay escenas de equilibrios en las cornisas y la mayor parte del metraje son las peripecias que le pasan con la borrachera.

GET OUT AND GET UNDER (Mi lindo auto, 1920) - Hal Roach

Harold sueña que su chica se casa con otro. Es un actor teatral y para llegar a tiempo a la obra, coge su flamante coche que se le estropea por el camino.

Divertida persecución policial y muy buenos gags.

NUMBER, PLEASE? (1920) - Fred C. Newmayer y Hal Roach

Harold tiene un rival por el amor de la chica. La historia ocurre en el parque de atracciones dónde primero tienen que encontrar al perrito perdido de ella y luego convencer a su madre para que les de permiso como acompañantes.

Con partes muy divertidas, como cuando Harold intenta llamar por teléfono en unas cabinas públicas muy solicitadas, o cuando es perseguido por la policía mientras intenta deshacerse de un bolso robado.

THE ROCKER (Un rockero de pelotas, 2008) - Peter Cattaneo

Del director de The Full Monty (1997) que no se ha prodigado mucho más detrás de las cámaras después de ese gran éxito, he visto esta película que cuenta con muy buen humor la odisea personal de un batería despedido de su grupo y que veinte años después vuelve a tocar en el de su sobrino.

Es un rockero de los ochenta y su actitud contrasta con los chavales que le acompañan en el grupo, y de eso se ríe la cinta, del carismático rockero de toda la vida, desfasado y loco. Algunas escenas son muy divertidas, me lo pasé bien y además la trama sirve para pasar un rato entretenido, con buena música y un genial Rainn Wilson en el descacharrante papel protagonista.