C de Cine

EL ORO DE MOSCÚ (2004) - Jesús Bonilla

2012-02-14T21:34:00.001+01:00

El actor Jesús Bonilla debutó en la dirección con esta comedia, que luego ha continuado con La daga de Rasputín (2011).

Su apuesta pasa por reunir a un montón de actores y echar mano de un guión en el que los personajes buscan el llamado oro de Moscú, el oro que el ejército republicano dio a los rusos a cambio de armas y apoyo.

La comedia es de un trazo bastante grueso sin demasiada habilidad para seguir con su buen arranque. Así que todo queda en ver a un plantel formado por Jesús Bonilla, Santiago Segura, Gabino Diego, Concha Velasco, Antonio Resines, Andrés Pajares o Alfredo Landa, junto con otros más frikies como Chiquito de la Calzada o Carlos Latre. Solamente he puesto a algunos de una lista casi interminable.

Todo queda muy desdibujado por el torpe guión y la acumulación de situaciones tontas que cada vez van teniendo menor interés.

NEW HOLLYWOOD

2012-02-11T19:34:00.011+01:00

El New Hollywood o Nuevo Hollywood fue un movimiento que revolucionó la industria cinematográfica norteamericana. Mi intención es contar un poco como se desarrolló y así empaparme de su filmografía en los próximos meses.

En los años sesenta los grandes estudios todavía estaban gobernados por sus poderosos creadores que ya tenían una cierta edad y seguían aferrados a sus gustos, dirigiendo con mano dura sus productoras y manejando a directores, actores, guionistas y resto de trabajadores de su negocio: el cine.

Las grandes superproducciones que se estaban rodando eran musicales como Camelot (1967), cine bélico como Patton (1970) y la producción habitual de cine de género que sintonizaba con los gustos del público.

De Europa venía un cine muy diferente. La "Nouvelle Vague" con Eric Rohmer, Jean Luc Godard y François Truffaut; un gran número de directores italianos como Luchino Visconti, Roberto Rossellini, Federico Fellini, Vittorio De Sica, Bernardo Bertolucci o Michelangelo Antonioni; el surrealismo del español Luis Buñuel; o las obras del polaco Roman Polanski y el sueco Ingmar Bergman. En Gran Bretaña el llamado “Free Cinema” seguía esa revolución con gente como Tony Richardson o John Schlesinger. También un cine de otras partes del mundo, como el los japoneses Yasujiru Ozu y Akira Kurosawa; o el del hindú Satyajit Ray. Esas películas extranjeras tenían unas temáticas y una narrativa muy alejada del cine comercial que estaba produciendo Hollywood.

Aunque también hay unos antecedentes dentro de la propia industria norteamericana. John Cassavetes era el abanderado de un cine independiente, con historias y personajes más cercanos a la gente de la calle en películas como Shadows (Sombras, 1959). Roger Corman dirige y produce un par de films que marcarían un antecedente importante: The Wild Angels (Los ángeles del infierno, 1966) y The Trip (1967). En otro medio, la televisión, existe un imporante caladero con un puñado de directores que se unirían a la próxima revolución de su hermano mayor, directores como John Frankenheimer, Sidney Lumet o Arthur Penn.

Todo este conglomerado de influencias, se pueden resumir en una nueva concepción del cine como producto del sello de su director, teoría crítica que surge en las páginas de la revista francesa “Cahiers du Cinema” con “La política de autores” de André Bazin. De la situación establecida de Hollywood va a ser complicado que el director pase a ser el eslabón más importante en la concepción de la película y así dejar de ser un mero instrumento en las manos del productor y la industria hollywoodense. Pero los tiempos estaban cambiando.

Inevitablemente esta revolución se fue estableciendo por lógica del mercado. Para contar las nuevas historias hacían falta nuevos directores, gente joven, personas que estaban haciendo ese cine en el extranjero, en la televisión, estudiando en las escuelas de cine o simplemente con esa nueva concepción del cambio que se avecinaba en la industria cinematográfica norteamericana. Ya no se busca al artesano sino al joven director con nuevas ideas. Los veteranos tendrán que amoldarse.

Además hay una clara huida de los patrones clásicos para mostrar los temas actuales de la sociedad norteamericana de los setenta: el sexo, la guerra de Vietnam, la música de moda, la raza negra, las drogas, el feminismo y los derechos civiles. Esta temática hace que algunos de estos estrenos lleven la calificación "rated" (R) para mayores de 18 años.

Las tres películas con éxito comercial y que significaron el inicio del New Hollywood, dando el definitivo empujón, para el cambio de mentalidad de la industria y la percepción de que ha llegado el momento de esas historias y esa manera de contarlas, sobre todo porque era lo que los nuevos directores querían, son:

-Bonnie and Clyde (1967) – Arthur Penn

-The Graduate (El Graduado, 1967) – Miche Nichols

-Easy Rider (Easy Rider, buscando mi destino, 1968) – Dennis Hopper

La revolución había comenzado y durante lo que sería aproximadamente una década, este nuevo cine sería el que el público demandaba. A partir de esos años, mediados y finales de los sesenta, al cine de Hollywood deja de considerarsele bajo esa etiqueta tan manoseada de “cine clásico”. Esta revolución rompe con lo establecido: el star system con esos actores y actrices inaccesibles, narrativa con unos patrones formales y siguiendo las pautas del cine de género (western, comedia romántica, musical, cine bélico, histórico,...), ingenuidad o invisibilidad en temas que choquen con la moral católica o lo políticamente incorrecto y ninguneo a la firma del director en relación a las estrellas o productoras.

Los directores fichados por las majors (estudios de cine norteamericano que dominan la cinematografía mundial) fueron: Sidney Pollack, John G. Avildsen, Bob Fosse, William Friedkin, Michael Cimino, Bob Rafelson, Dennis Hopper, Alan J. Pakula, Paul Schrader, Robert Altman, Brian De Palma, Michael Richie, Walter Hull, Sam Peckinpah, Paul Mazursky, John Milius, Martin Scorsese, Hal Ashby, Woody Allen, Monte Hellman, John Boorman, Peter Bogdanovich, Milos Forman, Terrence Malick, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, etc

Un nuevo tipo de actor, alejado del termino "estrella" que venía acaparando las películas de los 50-60 (Paul Newman, Robert Redford, Rock Hudson, Elizabeth Taylor, Doris Day,...) y mas próximo al espectador, apareció en la pantalla. Los actores: Gene Hackman, Ned Beatty, John Voight, Roy Scheider, Peter Boyle, Donald Sutherland, Bruce Dern, Robert De Niro, John Cazale, Al Pacino, Harvey Keitel, James Caan, Richard Dreyfouss, Christopher Walken, George Segal, Jack Nicholson, Robert Duvall, Dustin Hoffman, Elliot Gould, etc; o las actrices: Faye Dunaway, Liza Minnelli, Gena Rowlands, Karen Black, Glenda Jackson, Goldie Hawn, Julie Christie, Shelley Duvall, Barbra Streisand, Talia Shire, Katharine Ross, Diane Keaton, Sissy Spacek, Vanessa Redgrave, Jill Clayburgh, Ellen Burstyn, etc.

Personalmente y aunque yo era un niño durante esta década que revolucionó Hollywood, es un cine que me enganchó a este arte con fuerza. Cuando descubro en mi adolescencia, esas películas de Hollywood y me intereso por indagar su filmografía, le hago un hueco importante en mi cultura cinematográfica norteamericana que, no por ello, expulsa al cine clásico o al que posteriormente sería un cine más de escapismo.

Es evidente que el boom del cine actual moderno viene marcado por el final de la producción por Hollywood de ese cine, que se precipitó con el estreno mundial de Jaws (Tiburón, 1975), Rocky (1976), Star Wars (La guerra de las galaxias, 1977) o Grease (1978) y que fue el golpe mortal de un nuevo cambio dentro de la poderosa industria hollywoodense.

Los estudios majors de Hollywood consiguen grandes beneficios con estos éxitos y además hay una serie de películas con buen presupuesto del New Hollywood que fracasan en taquilla: At long last love (1975), New York, New York (1977), Sorcerer (Carga maldita, 1977) y Heaven's Gate (La puerta del cielo, 1980). Los estudios deciden apostar sobre seguro y como es evidente, no arriesgar su dinero. La llegada de la generación que rejuveneció (o más bien infantilizó) la temática del cine norteamericano de la siguiente década, los ochenta, viene respaldada económicamente por los grandes éxitos firmados por Steven Spielberg, George Lucas y compañía.

A partir de estos grandes éxitos, películas que ganaron dinero a montones y que comenzaron el merchandising como mayor fuente de ingresos que los provenientes de la taquilla, el espectador fue tratado (con su permiso) como alguien que busca entretenimiento, cine para ver en familia, sin temas escabrosos, con héroes, diversión pura e historias con final feliz para escapar de la dura realidad que casi siempre hay fuera de la pantalla.

Me gusta ese cine de escapismo pero tengo que reconocer que también agradezco que me traten como a una persona adulta con criterio y amplitud de miras sobre la sociedad en la que vivo.

Escribo estas líneas para dejar constancia de que cuando una industria tan conservadora como la del cine de Hollywood, se atrevió a hacer algo más que mero entretenimiento, hubo una época que ha pasado a la historia de este joven arte y que, en las circunstancias actuales, parece imposible de volver a recuperar.

Quiero dedicar tiempo a repasar las películas consideradas del New Hollywood. Soy de hacer ciclos y ahora voy a dedicar mi tiempo, de vez en cuando, a éste. Por lo pronto, reseño algún material que amplía conocimientos:

-Easy Riders, Raging Bulls (Moteros tranquilos, toros salvajes, 1998) – Peter Buskind

Libro publicado por Anagrama que es un poco la biblia del chismorreo de esa época.

-The Kids Stay in the Picture (El chico que conquistó Hollywood, 2002) – Brett Morgen y Nanette Burstein

Documental sobre el productor Robert Evans

-A Decade Under the Influence (Una década bajo la influencia, 2003) – Ted Demme y Richard LaGravenese

Documental con entrevistas, secuencias y material de archivo.

-Los fabulosos años del New Hollywood (2009) - Angel Comas

Libro español que amplía los años de estudio desde 1964 a 1983.

Por último, enumero una relación nada sucinta de las películas más señeras que se pueden englobar bajo el llamado New Hollywood.

Filmografía:

+Bonnie and Clyde (1967) – Arthur Penn

+The Graduate (El Graduado, 1967) – Miche Nichols

+Easy Rider (Easy Rider, buscando mi destino, 1968) – Dennis Hopper

-Targets (El héroe anda suelto, 1968) – Peter Bogdanovich

-Faces (1968) – John Cassavetes

-Who's that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta, 1968) - Martin Scorsese

+Rosemary's Baby (La semilla del diablo, 1968) - Roman Polanski

-Bob & Carol & Ted & Alice (1969) – Paul Mazursky

+Midnight Cowboy (Cowboy de medianoche, 1969) – John Schlesinger

-They Shoot Horses, Don't They? (Danzad, danzad malditos, 1969) – Sidney Pollack

-Putney Swope (1969) - Robert Downey Sr.

-Joe (Joe, ciudadano americano, 1970) – John G. Avildsen

-Catch-22 (Trampa 22, 1970) - Mike Nichols

-Husbands (1970) - John Cassavetes

-Hi, Mom! (Hola, mamá, 1970) – Brian De Palma

-The Landlord (El casero, 1970) – Hal Ashby

-Five Easy Pieces (Mi vida es mi vida, 1970) - Bob Rafelson

-Puzzle of a Downfall Child (1970) – Jerry Schatzberg

-Brewster McCloud (El volar es para los pájaros, 1970) - Robert Altman

+MASH (M.A.S.H., 1970) – Robert Altman

-Harold and Maude (1971) – Hal Ashby

-Minnie and Moskowitz (Así habla en amor, 1971) - John Cassavetes

+Straws Drogs (Perros de paja, 1971) - Sam Peckinpah

-Sunday Bloody Sunday (Domingo, maldito domingo, 1971) - John Schlesinger

-Shaft (Las noches rojas de Harlem, 1971) - Gordon Parks

-The Panic in Needle Park (Pánico en Needle Park, 1971) – Jerry Schatzberg

+The French Connection (Contra el imperio de la droga, 1971) – William Friedkin

-Carnal Knowledge (Conocimiento carnal, 1971) – Mike Nichols

-Billy Jack (Billy, el defensor, 1971) - Tom Laughlin

+The Last Picture Show (La última película, 1971) – Peter Bogdanovich

-The Hospital (Anatomía de un hospital, 1971) - Arthur Hiller)

-McCabe and Mrs Miller (Los vividores, 1971) – Robert Altman

-Klute (1971) – Alan J. Pakula

+The Godfather (El Padrino, 1972) – Francis Ford Copoola

+A Clockwork Orange (La naranja mecánica, 1971) - Stanley Kubrick

-The King of Martin Gardens (El rey de Marvin Gardens, 1972) – Bob Rafelson

-Boxcar Bertha (El tren de Bertha, 1972) - Martin Scorsese

-Images (1972) - Robert Altman

-The Candidate (El candidato, 1972) - Michael Ritchie

-Deliverance (Defensa, 1972) - John Boorman

+Jeremiah Johnson (Las aventuras de Jeremiah Johnson, 1972) - Sidney Pollack

+The last detail (El último deber, 1973) – Hal Ashby

-Badlands (Malas tierras, 1973) - Terrence Malick

+The Exorcist (El exorcista, 1973) – William Friedkin

-Serpico (1973) - Sidney Lumet

-Save the Tiger (Salvad al tigre, 1973) - John G. Alvidsen

-A touch of Calss (Un toque de distinción, 1973) – Melvin Frank

+Sleeper (El dormilón, 1973) – Woody Allen

-Steelyard Blues (Material americano, 1973) - Alan Myerson

+Scarecrow (Espantapájaros, 1973) – Jerry Schatzberg

+Mean Streets (Malas calles, 1973) – Martin Scorsese

+Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí, 1974) – Martin Scorsese

+Chinatown (1974) – Roman Polanski

+Young Frankenstein (El jovencito Frankenstein, 1974) – Mel Brooks

+The Conversation (La conversación, 1974)

+Lenny (1974) - Bob Fosse

+The Godfather: Part II (El Padrino II, 1974)

-California Split (1974) - Robert Altman

-The Parallax View (El último testigo, 1974) - Alan J. Pakula

-A Woman Under the Influence (Una mujer bajo la influencia, 1974) – John Cassavetes

-Shampoo (1975) – Hal Ashby

-Nashville (1975) - Robert Altman

+One Flew Over the Cuckoo's Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco, 1975) – Milos Forman

-Smile (Sonríe, 1975) - Michael Ritchie

-Dog Day Afternoon (Tarde de perros, 1975) – Sidney Lumet

-Three Days of the Condor (Los tres días del Cóndor, 1975) - Sidney Pollack

+Taxi Driver (1976) – Martin Scorsese

+Network (Netword, un mundo implacable, 1976) – Sidney Lumet

-The Killing of a Chinese Bookie (El asesinato de un corredor de apuestas chino, 1976) - John Cassavetes

-Next Stop, Greenwich Village (Próxima parada, Greenwich Village, 1976) - Paul Mazursky

+Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull's History Lesson(Buffalo Bill, 1976) - Robert Altman

+All the President's Men (Todos los hombres del presidente,1976) – Alan J. Pakula

+Annie Hall (1977) – Woody Allen

+New York, New York (1977) - Martin Scorsese

-3 Women (Tres mujeres, 1977) - Robert Altman

-Julia (1977) - Fred Zinnemann

-Openin Night (1977) - John Cassavetes

-An Unmarried Woman (Una mujer descasada, 1978) – Paul Mazursky

+Coming Home (El regreso, 1978) – Hal Ashby

-Straight Time (Libertad condicional, 1978) - Ulu Grosbard

-Blue Collar (1978) - Paul Schrader

+The Deer Hunter (El cazador, 1978) - Michael Cimino

+El síndrome de China (1979) - James Bridges

-The Electric Horseman (El jinete eléctrico, 1979) - Sidney Pollack

+Apocalypse Now (1979) - Francis Ford Coppola

+Raging Bull (Toro Salvaje, 1980) - Martin Scorsese

UNKEBREABLE (EL PROTEGIDO, 2000) - M Night Shyamalan

2012-02-07T17:53:00.002+01:00

M Night Shyamalan dirige después de El sexto sentido (1999) y de nuevo con Bruce Willis de protagonista la que, para mí, es la mejor película del director.

Un hombre es el único superviviente de un mortal accidente ferroviario y después de que entable conversación con un extraño coleccionista de cómics, se plantea la posibilidad de que posea algún extraño poder que le haga invulnerable a la enfermedad o a cualquier tipo de dolencia física.

Con un tono pausado y más de un riesgo narrativo pleno de talento virtuoso (el diálogo en el tren visto desde el hueco entre dos butacas o la cámara lenta en la escena de la piscina), me gusta como sabe mezclar la mitología del superhéroe con la cotidianidad de una persona normal. También aplaudo el giro argumental de la última escena en la que se revela que todo héroe tiene un enemigo al que combatir, pura base de los cómics de personajes con superpoderes.

Samuel L. Jackson y Bruce Willis están muy brillantes en sus respectivos roles y a mí me ganan sus interpretaciones así como ese héroe construido poco a poco, con detalles impagables: levantando pesas con su hijo, trabajando en la seguridad de un estadio o con la sudadera con capucha de su propio vestuario a modo de traje de superhéroe.

Me parece original esta manera de tratar un tema más que manido, sobre todo vuelta a ver ahora que el universo Marvel y DC está siendo explotado a todo tren como un rentable producto cinematográfico.

TENSIÓN SEXUAL NO RESUELTA (2010) - Miguel Ángel Lamata

2012-02-07T17:29:00.002+01:00

El director de Isi&Disi, alto voltaje (2006) volvió a buscar el éxito comercial con un producto bastante chabacano el que una escritora de un bestseller sobre sexo, adoctrina a una amiga para quitarle sus complejos con los hombres.

En el reparto un actor potable como Fele Martínez y un montón de caras jóvenes que imagino que tendrán su público entre los adictos a las series de televisión españolas. Así que todo transcurre entre chistes salidos de tono, un enredo de parejas y algún acierto gracioso que no esconde la poca calidad del producto final.

Una chica hace el papel de narradora y se dirige directamente al público pero no creo que hiciera falta tal concesión a la credibilidad porque no hay que darle muchas vueltas al argumento de una cinta tan chabacana. A mí me han pillado porque tuve que verla con mi hija y taparle los ojos (es un decir) en alguna que otra escenita.

LES NOMS DES GENS (LOS NOMBRES DEL AMOR, 2010) - Michel Leclerc

2012-02-06T19:38:00.001+01:00

Ella es de raíces argelinas, una mujer joven, desinhibida, de izquierdas y que intenta convencer políticamente a los fachas con sus favores sexuales. Él es biólogo, de mediana edad, socialista y más bien reservado en mostrar sus emociones. La relación que ambos comenzarán parte de esa multitud de diferencias y también de lo original y habitual que es el nombre de cada uno de ellos.

Sara Forestier interpreta a Baya Benmahmoud y su presencia en la pantalla es pura energía. Tanto por ese desnudo tan favorecedor que tiene su bello cuerpo como por la fuerza y encanto de su personaje. Jacques Gamblin es Arthur Martin, asombrado de ser objeto de interés de la chica y consciente de sus limitaciones. Le recuerdo por su bonito papel en El primer día del resto de tu vida (2008).

Comedia francesa en la que se habla de política sin tapujos. Hasta aparece el socialista Lionel Jospin en una escena y se discute sobre Jacques Chirac, Nicholas Sarkozy, la inmigración, la guerra de Argelia o las centrales nucleares.

Tampoco hay que pensar que es un baño de pedantería y visión partidista de la sociedad. No, solamente usa la comedia para hablar de la vida y la política es una parte importante de ella, como lo es en el cine de Woody Allen, Ken Loach o Fernando León de Aranoa.

Claro que aquí hay además un personaje arrebatador. Bahía me engancha desde su primera aparición y en cada acción que toma me gana más todavía ya sea saliendo desnuda a la calle por olvido, votando a la derecha al confundir las papeletas, llevando a unos cangrejos a la playa, parando el metro para que entren una pareja de ancianos o poniendo esas caras tan divertidas.

También debo añadir que la narración de la primera parte, no me gusta del todo, con ese relato sincopado y mezcla de pasado y presente, pero es cierto que luego tiene su gracia a medida que la trama avanza.

Está previsto su estreno en España para el mes que viene y supongo que no tendrá demasiado éxito aquí pero a mí me ha gustado y divertido así como he quedado enganchado a su actriz protagonista. Su humor adulto le aleja de un público habitual a las comedias románticas pero también le acerca a otro interesado por algo más que ñoñerías y escenas blandengues.

EL MÉTODO (2005) - Marcelo Piñeyro

2012-02-06T17:54:00.002+01:00

Adaptación de la obra teatral de Jordi Galcerán que se mantuvo en en escena varias temporadas. Tuve la suerte de poder verla representada y luego también me interesé por esta película que ahora he vuelto a revisionar en un pase televisivo.

Siete candidatos a un puesto ejecutivo en una empresa, deben pasar una selección conjunta que sigue las pautas del llamado "método Gronholm". Comparten la misma sala y van a tener que superar diversas pruebas para hacerse con el anhelado puesto de trabajo.

El excelente reparto formado por Carmelo Gómez, Adriana Ozores, Eduardo Noriega, Ernesto Alterio, Najwa Nimrim, Eduard Fernández, Pablo Echarri y Natalia Verbeke, es el valor más seguro de esta película que contiene bastantes diferencias con el original teatral. A mí el que más me gusta (pero bueno...es que me gusta casi siempre) es Eduard Fernández con ese personaje tan macho ibérico lleno de mala leche y rencor.

Del director argentino Marcelo Piñeyro me gustó Caballos salvajes (1995) por su frescura y en cambio lo hizo bastante menos Kamchatka(2002). Aquí consigue una buena propuesta, amparado en el magnífico guión y las interpretaciones mencionadas.

Premiada con el Goya al mejor actor secundario para Carmelo Gómez cuando no es uno de los papeles más destacados y también con el Goya de mejor guión adaptado, adaptación con la que el autor Jordi Galcerán mantuvo cierta polémica.

FRESA Y CHOCOLATE (1994) - Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío

2012-02-06T00:41:00.000+01:00

Su estreno significó un éxito internacional para el cine cubano. Ganadora de varios premios: Goya Mejor película extranjera de habla hispana, Premio del Jurado en Sundance, Oso de Plata en Berlín o de la Nominación al Oscar en lengua extranjera. Seguramente el mayor éxito cinematográfico para ese pequeño país caribeño.

En España se tradujo en incorporación de dos de sus interpretes (Jorge Perrugoría y Mirta Ibarra), sobre todo él, así como el rodaje de la siguiente y última película de Tomás Gutiérrez Alea.

Recuerdo el entusiasmo que me suscitó al verla en pantalla grande ya que por entonces había conocido a varias amistades cubanas y su sociedad era un tema candente en mi entorno. Ahora la vuelvo a ver en DVD y recupero parte de aquel entusiasmo.

Jorge Perrugoría encarna con brillantez a un homosexual que a pesar de amar a su Cuba, reivindica su derecho a ser diferente. La historia de amistad que mantiene con el militante comunista interpretado por Vladimir Cruz, se convierte en una bonita esperanza para el cambio en el sistema político cubano, que ahora (18 años después) se percibe igual de inmovilista.

En mi aficionado al cine también fue mi acercamiento a la filmografía de Tomás Gutierrez Alea, uno de sus codirectores, del que aparte del film rodado en España, Guantanamera (1995), he podido ver Las doce sillas (1962), La muerte de un burócrata (1966) y Memorias del subdesarrollo (1968).

THE ARTIST (2011) - Michel Hazanavicius

2012-02-04T12:26:00.002+01:00

Un estreno actual que tiene la osadía de ser mudo y en blanco y negro. Un film francés que consigue estar en boca de todos, que gana el Globo de Oro a mejor película de comedia o musical así como otros muchos galardones y que acapara candidaturas al Oscar. Todo un acontecimiento que voy a ver con mucha ilusión por disfrutar en pantalla grande de un proyecto de este tipo.

No me defrauda en absoluto. The Artist consigue un encantador relato que me toca en mi sensible afición de espectador de cine. Porque la historia va sobre el mismo cine, sobre un actor con mucho éxito que se ve desplazado por la industria cuando el sonoro hace irrupción y la cinematografía da un salto en sus formas narrativas.

Encuentro alguna similitud con clásicos que contaron esta época del paso al sonoro como Cantando bajo la lluvia y el personaje de George Valentin guarda un indudable parecido con actores del periodo silente, principalmente con las acrobacias y magnetismo en pantalla de Douglas Fairbanks. Claro que aquí hay una gran brillantez en la interpretación de Jean Dujardin en un papel impagable.

Pero no solamente me gusta ese homenaje continuo al cine silente. Me paso la proyección con una sonrisa, cada vez que aparece la encantadora Bérénice Bejo en el papel de Peppy Miller: la fan que escala en el estrellato desde sus primeros papeles de extra y que es todo un alarde de simpatía y gestos divertidísimos.

Luego está el conjunto global. Una historia bonita de amor, de cine, de la fama y el olvido. Los impagables detalles de esa escena en la que George sueña que todo es sonoro menos su voz, el perrito que le acompaña, el número musical del final, la repetición del rodaje de la escena del baile con la chica, el encanto de un relato sin diálogos y con el único poder de la imagen y la banda sonora. En definitiva, el atrevimiento por confiar en que una película de este tipo sea aceptada por el espectador actual. En fin, he salido muy contento de este estreno y espero que siga cosechando premios. Su propuesta es original y se merece elogios como los que he querido resaltar en estas modestas letras.

I LOVE YOU PHILLIP MORRIS (PHILLIP MORRIS, ¡TE QUIERO!, 2009) - Glen Ficarra y John Recqua

2012-02-04T11:52:00.002+01:00

Adaptación de la novela de Steve McVicker: I Love You Phillip Morris: A True Story of Life, Love, and Prison Breaks, basada en la vida real del estafador Steven Jay Russell, que aquí es contada en forma de comedia, tanto por la interpretación de Jim Carrey como por el tono general del film.

Steven pasa de su vida en matrimonio hetero a dejarse llevar por su sexualidad gay. Cuando está en la cárcel cumpliendo condena, conoce a Phillips Morris, del que se enamorará irremediablemente.

Ewan McGregor, un actor que me gusta mucho, interpreta al personaje de sus amores y lo hace con un acierto total en los gestos, miradas y maneras. Es lo mejor de una cinta que transcurre entre las mentiras del protagonista y los engaños de la narración, ya que continuamente se juega con el espectador en la manera de mostrar el relato.

Al final, la película la veo con relativo interés, riéndome en algunas de sus gansadas y con el punto de mira de la incredulidad por lo que me cuentan, así como por cierta hartura en los habituales excesos interpretativos de Jim Carrey y en algunos chistes subidos de tono.

THE MILKY WAY (LA VÍA LÁCTEA, 1936) - Leo McCarey

2012-02-01T21:43:00.002+01:00

Después de estar dos años sin estrenar película, Harold Lloyd, quedó encantado con la obra teatral de Lynn Root y Harry Clork que sería el germen de su siguiente película sonora.

The Milky Way contó con la dirección de Leo McCarey que ya había tenido éxito con una gran comedia con los hermanos Marx: Duck Soup (Sopa de ganso, 1933), cómicos que eran justo lo que el público demandaba a principios del sonoro: gags basados en diálogos con juegos de palabras y verborrea diversa. Harold Lloy venía del cine mudo, del gag visual, de otra narrativa cinematográfica. Aparte del director, se reunió de un buen reparto dónde destacaba Adolphe Menjou, así como de la producción por la Paramount.

La película es de lo mejorcito de la etapa sonora de Lloyd. Tiene una buena historia: un lechero se convierte en boxeador después de "tumbar" al campeón mundial por lo que le amañan los combates para conseguir un duelo final contra éste que beneficie al manager. Se ve muy suelto a Lloyd y de los secundarios me gusta especialmente Verree Teasdale que tiene un papel muy divertido de chica que le saca punta a todo.

Diez años después se estrenó un remake con Danny Kaye, The Kid from Brooklyn (El asombro de Brooklyn, 1946) - Norman Z. McLeod; que vi hace muchos años y al que esta primera película me lo ha recordado mucho.

MIMIC (1997) - Guillermo del Toro

2012-01-30T16:47:00.001+01:00

Después del éxito de Cronos (1993), el mexicano Guillermo del Toro fue uno más de los directores desembarcado en la industria norteamericana. En su caso, era el camino lógico, puesto que su cine está enmarcado en el género fantástico con películas de terror y ciencia ficción.

Mimic fue su primera película made in USA y salvo sus dos producciones españolas (El espinazo del diablo y El laberinto del fauno), la cinematografía dónde ya lleva trabajando hace años.

Basada en un cuento de Donald A. Wolheim y con un reparto en el que destaca Mira Sorvino, relata una historia de mutaciones genéticas en insectos para combatir una plaga de cucarachas que han traído una enfermedad mortal en los niños. Como suele ser habitual, el experimento da como resultado unos monstruosos seres a los que los héroes tendrán que combatir.

Es una pena que su resultado general sea más que insuficiente a nivel de calidad. La acción se centra en los túneles abandonados del metro y a pesar de contar con un presupuesto decente, no consigue ni ritmo ni terror ni siquiera personajes memorables. Seguramente es el film más fallido de los de su director. Tuvo dos continuaciones a los que no me ha apetecido acercarme.

SOBREVIVIRÉ (1999) - Alfonso Albacete y David Menkes

2012-01-30T16:25:00.002+01:00

Es curioso que la pareja de directores Alfonso Albacete y David Menkes ya lleven con seis películas rodadas en común.

En ésta se cuenta la relación sentimental entre un gay y una viuda (y madre) soltera. Comedia amorosa sin demasiado interés en el que lo importante es el noviazgo entre sus dos personajes principales interpretados por Emma Suarez y Juan Diego Botto que se llevan unos cuantos años de diferencia, además de que para él es su primera relación con una mujer. Se ve sin demasiado aburrimiento pero sigue las pautas de la filmografía de sus codirectores: floja y carente de fuerza.

LAURA (1944) - Otto Preminger

2012-01-25T19:48:00.001+01:00

Hace poco me propuse, entre otros planes relacionados con el cine, revisar algunas de las películas que me gustaron mucho pero que tengo olvidadas. Algo que llamo "aquellas grandes películas" y que en mi antaña valoración me sorprendieron, fascinaron y dejaron huella. El plan es ver una al mes para cumplir esa propuesta.

Laura era una firme candidata a esta revisión. Me gustó mucho en mi primer visionado y a pesar de no recordar su argumento con precisión, si que tenía una impresión del ambiente que respiran sus imágenes. Ahora la he vuelto a ver en DVD y se me ha caído el mito.

Dirigida por Otto Preminger (del que por aquí he comentado El hombre del brazo de oro y Buenos días, tristeza), es un film que se sitúa claramente dentro del llamado cine negro, con ingredientes habituales como detective, asesinato y misterio. Antes de este director, el rodaje fue de Rouben Mamoulian y entre ambos hubo discusiones acerca de la paternidad del material rodado. La realidad es que el segundo fue despedido y Preminger firmó en los créditos oficiales.

Adapta la novela de Vera Caspary dónde un detective investiga la muerte de una joven. Mientras mantiene varias líneas de sospecha abiertas, se va enamorando de la fallecida, representada en un cuadro que preside su casa así como en lo flashbacks en las que se le recuerda. Cuando, en la mejor escena, se descubre que ella no ha muerto, el guión da un giro definitivo para su resolución final.

Gene Tierney es Laura, una actriz a la que no he seguido muy de cerca pero de una belleza elegante; Dana Andrews se maneja bien en el personaje del detective Mark McPherson; Clifton Webb borda al maduro Waldo; y Vincent Price (en uno de sus primeros papeles) y Judith Anderson (siempre recordada por su malvada de Rebeca de Hitchcock) cumplen en sus papeles también importantes en la trama.

Decía que se me ha caído un mito porque aunque me sigue pareciendo una buena película, no encuentro la fascinación que en su día me atrapó. La historia tiene buenos personajes pero ni me arrebata ni localizo en ella escenas cumbres como para la fama que tiene (hasta para mí la tenía). Más bien, lo importante en ella es su trama de misterio, de intentar averiguar quién es el asesino pero no de un cine que contenga más valores que estar hecha con mimo y tener cierto estilo fantástico. Detalles que consiguen salvarla del aburrimiento y llevarla hasta el aprobado.

THE CAT'S PAW (LA GARRA DEL GATO, 1934) - Sam Taylor

2012-01-23T23:47:00.002+01:00

Después de la regular acogida de Movie Crazy (Cinemanía, 1932), Harold Lloyd decidió dar un giro en su nueva película. La screwball comedy estaba triunfando, por lo que intenta dejar su estilo de sucesión de gags por un humor más sofisticado en el que el argumento tiene mayor importancia.

A mí entender, el experimento le quedó fallido. La historia de un chico norteamericano criado en China (su padre es misionero) que llega a San Francisco y se convierte en el alcalde, no está del todo mal porque Harold interpreta a un personaje fuera de sus habituales registros, pero el conjunto no funciona y el aburrimiento se va apoderando de la función.

Algo no funciona en esta comedia. Se le ve acartonado y sin sus genuinos resortes cómicos: torpeza, heroísmo, ingenio, acrobacias... Puede que el argumento no esté del todo mal pero Harold Lloyd no ofrece su mejor cara y es una pena porque Movie Crazy había sido un gran acierto cinematográfico. Este nuevo estreno significó un rotundo fracaso en la carrera del cineasta y le llevó a apartarse durante dos años del cine así como el principio de su retirada.

LE GAMIN AU VÉLO (EL NIÑO DE LA BICICLETA, 2011) - Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

2012-01-23T17:55:00.002+01:00

Los hermanos Dardenne ofrecen un nuevo film social en el que un niño busca a su padre después de que le haya abandonado en una casa de acogida. Estos directores belgas, de los que solamente he visto La promesa (1996), no cargan las tintas en el relato pero lo ponen al servicio de una historia que retrata una situación angustiosa para un niño que pierde sus raíces familiares.

Samantha, una mujer que regenta una peluquería, se hace cargo del niño después de un abrazo casual y que crea entre ambos un vínculo afectivo que suaviza el tono del relato. Por lo menos, hay esperanza y ésta viene de una persona que se compromete con un niño desarraigado.

El relato avanza con sus decisiones narrativas, sin aspavientos, a golpes de situaciones concretas en un estilo que va mostrando escenas (el salto de una a otra no siempre es fluido) para mostrar lo esencial, lo que se quiere contar. El resultado es que está muy bien contada y se sigue con interés el devenir de este niño casi siempre montado en su bicicleta.

Para ello también se nutre de buenas interpretaciones, tanto del niño protagonista como del actor que encarna a su padre, pero también por una actriz bastante conocida en el papel de Samantha, ya que la atractiva Cécile de France ha participado, por ejemplo, en Hereafter (Más allá de la vida, 2010) de Clint Eastwood.

En definitiva, la película llega a sus objetivos y es una buena muestra de un cine comprometido con los problemas sociales, con las historias personales, con una forma de contar las cosas sin trucos ni golpes de efecto. Tal vez no consigue ser una obra de arte poética pero sí que es puro cine social realizado con buenos ingredientes.

THE BAD AND THE BEATIFUL (CAUTIVOS DEL MAL, 1952) - Vincente Minnelli

2012-01-22T18:07:00.001+01:00

Vincente Minnelli cuenta la historia de un productor de cine que reúne a un director, un guionista y una estrella, para rodar una película. Tomando como punto narrativo los flashbacks en que cada uno de ellos, rememora como fue su relación con el productor.

Por lo tanto, tenemos el siempre interesante cine sobre el cine. Aquí nos van a mostrar los entresijos de como este productor y sus colaboradores hicieron carrera en el negocio del celuloide, siempre desde el punto de vista de Hollywood y con la soberbia interpretación de Kirk Douglas junto a Lana Turner, Dick Powell y Walter Pigdeon. Douglas destaca sobre el resto pero es que su intensidad y presencia es difícil de lograr.

El relato avanza con el estilo del cine negro: amores, traiciones, suspense y la originalidad del punto de vista narrativo. Para una aficionado al cine es un placer una historia en la que este arte es el centro de la trama. Por supuesto que algunas cosas han quedado anticuadas pero me alegro de haber descubierto este clásico que desconocía, labor en la que ando tal y como me propuse en el menú de hace meses.

PREDATOR (DEPREDADOR, 1987) - John McTiernan

2012-01-22T17:45:00.002+01:00

Un grupo de militares de alto nivel es enviado a una selva centroamericana para rescatar a un político. Allí se encontrarán con un ser extraño que los va aniquilando. Se trata de una criatura alienígena con sorprendentes poderes.

John McTiernan rueda una de sus películas más famosas junto con Die Hard (La jungla de cristal, 1988). Un típico producto de acción de los años ochenta que se sustenta en la interpretación de Arnold Schwarzenegger, cuando era un importante reclamo en la taquilla.

El film mezcla una odisea militar de un grupo de soldados junto con la amenaza alienígena y acaba consiguiendo que la ciencia ficción supere a los tópicos del relato militar. Para ello se apoya en unos buenos efectos especiales aunque ahora se me hace más que cansina la repetida visión colorida del bicho.

No es que sea nada del otro mundo pero tuvo un gran éxito y esto llevo a cómics, videojuegos, merchandising y las inevitables secuelas: Predator 2 (Depredador 2, 1990) y Predators (2010); así como compartir pantalla con el monstruo de Alien en Alien vs. Predator (2004) y Alien vs. Predator 2 (2007).

Votaciones a los estrenos de 2011

2012-01-22T17:13:00.001+01:00

Como si fuera una tradición más, llegan las votaciones de los estrenos del año pasado. Esta vez solamente se pueden hacer por medio de Facebook en este enlace y con plazo hasta el 31 de enero para votar a las pelis de esta lista. Cuando tenga mis votos ya los compartiré por aquí, cosa que también haré con los resultados finales. Por último, para quién quiera curiosear por las ganadoras de otros años pongo otro enlace más. La pega que le veo es que todo es por medio de Facebook.

THE SIXTH SENSE (EL SEXTO SENTIDO, 1999) - M. Night Shyamalan

2012-01-22T13:07:00.002+01:00

M. Night Shyamalan consiguió un gran éxito con su segundo largometraje. Una historia en la que el psicólogo infantil interpretado por Bruce Willis trata a un niño con serios problemas.

Si Bruce Willis es el reclamo comercial, el verdadero protagonista es el niño interpretado con genialidad por Haley Joel Osment, un prodigio de expresividad que luego volverá a demostrar su calidad en A.I. Inteligencia Artificial. También me sorprende encontrar a la protagonista de La boda de Muriel, Toni Collete, en un buen papel.

El DVD dónde he podido revisionarla trae jugosos extras con escenas eliminadas y muchos detalles sobre su rodaje y circunstancias que rodearon a la creación del film.

La originalidad de la trama (sobre todo el desenlace) es gran parte de su aceptación por el público y el ingrediente adecuado con el que se hace crecer una película interesante que cuida los detalles para que el espectador no se sienta engañado en una segunda visión. Para ello se muestra un crescendo en el suspense que al final revela la gran sorpresa argumental. Si no la has visto, no sigas leyendo...

El niño ve muertos, su angustia vital viene de que tiene un sexto sentido para ver a los que ya están en el más allá. El psicólogo le ayuda a descubrir que los muertos le piden ayuda y que debe escucharlos para intentar dársela. La sorpresa final es que el psicólogo es un muerto más y ese detalle se nos ha ocultado en todo el metraje.

No creo que sea esa grandísima película que otros proclaman, pero sí que me parece una buena muestra de un cine cuidado, con tensión, escenas brillantes y unas actuaciones más que sobresalientes. Lástima que tantos elogios no consigan que escape de una buena nota que en mi caso no se eleva a la excelencia.

AZULOSCUROCASINEGRO (2006) - Daniel Sánchez Arévalo

2012-01-22T12:03:00.001+01:00

Opera prima de Daniel Sánchez Arévalo y la película que más me gusta de las tres que hasta ahora componen su filmografía junto con Gordos (2009) y Primos (2011).

Demuestra un buen trabajo con los actores que dan vida a unos personajes que dejan huella en esta historia de insatisfacciones personales, de búsqueda de identidad, de amores, relaciones paterno filiales y un buen puñado de sensaciones que a mí me llegan con fuerza.

Los personajes de Quim Gutierrez, Marta Etura y Antonio de la Torre, forman un triangulo amoroso sobre el que se sustenta la trama que, además es enriquecida por los de los secundarios Raúl Arevalo y Eva Pallarés, entre otros.

El director sabe encajar todas las piezas de su creación y está atento a los detalles. Las subtramas, la envolvente banda sonora, los acertados diálogos, el humor siempre presente pero también el drama de unos seres que intentan buscar su salvación personal en un barrio madrileño como cualquier otro, pero contado con la genialidad del que sabe que no hay que irse muy lejos para encontrar una buena historia.

En el DVD con el que reviso esta peli que ya vi en el cine, vienen incluidos dos cortometrajes de su director: ¡Gol! (2002) y Exprés (2003), también muy recomendables. Otros cortometrajes del director son: Profilaxis (2003), Física II (2004), La culpa del alpinista (2004), Traumología (2007), Pene (2007) y (Uno de los) Primos (2010).

ESCLAVA TE DOY (1976) - Eugenio Martín

2012-01-20T19:02:00.003+01:00

Alberto vuelve a casa después de la jornada laboral y se encuentra con que su mujer le ha abandonado con sus hijos. Ella se ha ido a casa de su madre porque ha descubierto que le es infiel con una amante.

Con este argumento se plantea la inferioridad de la posición de la mujer casada en las leyes españolas, recién comenzada la transición y en clave de comedia. Con Alfredo Landa y María Luisa San José como pareja protagonista. Se puede ver como documento sociológico de lo que fue España hace años.

No es una simple comedia bochornosa aunque tiene sus partes casposas, pero mantiene un buen tono y no está del todo mal la denuncia social, claro que siempre tamizada por el punto del humor así como por ese edulcorado final para no espantar a nadie.

Por el camino podemos disfrutar de un buen puñado de secundarios de los que me gustaría destacar a Josele Roman (la amante con las inevitables escenas de desnudo) y también que fue la última película de un secundario carismático como Rafael López Somoza. El director tiene una filmografía más que olvidable salvo la interesante Horror Express (Pánico en el Transiberiano, 1972).

No es que sea un filme recomendable pero si se ve con cierta distancia ideológica tiene su gracia. Sobre todo la tiene si se piensa que esas actitudes conservadoras no van a poder resurgir nunca por estos lares. También entiendo que no haga ninguna gracia si alguien se ve escandalizado por como un producto así se podía estrenar en los cines pero es que aunque me duela; ¡así era España!

El título viene de la frase del matrimonio religioso: "compañera te doy y no esclava". Y para rematar, el periodista Alfredo Amestoy hace una pequeña aparición televisiva y es reclamo en su póster promocional.

Décima edición de EL JUEGO

2012-01-19T22:30:00.002+01:00

A partir del próximo 25 de enero comienza la décima edición de este juego de cine. Volveré a participar con el equipo de Los Fancinerosos.

El nombre de esta edición es EL PISITO y éste es el enlace del mismo.

En la anterior edición quedamos en tercer lugar por lo que tenemos el listón muy alto para superarlo. ¡A jugar!

DRIVE (2011) - Nicolas Winding Refn

2012-01-16T18:12:00.001+01:00

Las expectativas que tenía sobre este largometraje del danés Nicolas Winding, eran más que buenas. Su premio a la mejor dirección en Cannes así como las formidables críticas que ha recibido, me hacían augurar un film memorable que me fascinara.

El protagonista es un conductor que se gana la vida participando en la huida de malhechores, de extra en escenas de coches y como mecánico de un taller. Su nombre no interesa, su sobriedad y falta de emociones es parte de la personalidad misteriosa que le envuelve. Cuando empatiza con una vecina, madre de un niño y esposa de un presidiario, empieza a meterse verdaderamente en problemas.

Comparada insistentemente con el cine de Pierre Melville, del que he visto algún film que no tengo muy fresco, se nutre de una primera parte en la que nos empapamos de la personalidad de los personajes y luego pasa a un plano violento en extremo con venganzas y sangre. Ni en una ni en otra parte consigo meterme de lleno en lo que me están contando.

Lo que sí que me gusta es el reparto. Ryan Gosling está fantástico en su papel y tanto Albert Brooks (hacía mucho que no le veía) como Ron Perlman (inolvidable en Hellboy) son dos malos de aúpa. También destacar a las chicas, con Carey Mulligan en un bonito personaje y Christina Hendricks (Joan en Mad Men) en un rol más secundario.

Las escenas de conducción me parecen de un gran virtuosismo técnico pero no como para elevar la calidad final a la excelencia. Mantiene un buen tono aunque no creo que sea para tantas alabanzas ni eran adecuadas las expectativas que me crearon antes de verla. Es buena pero no era para tanto.

MOVIE CRAZY (CINEMANÍA, 1932) - Clyde Bruckman

2012-01-16T16:27:00.002+01:00

Tercera película sonora en la filmografía de Harold Lloyd y un producto muy cuidado que consigue una comedia romántica, divertida y con acción.

Esta vez si que sabe juntar sus aciertos en la etapa muda con el sonoro y estrenar una comedia que se ve con interés. Un joven llega a Hollywood con ansías de triunfar como actor galán. Allí conoce a una actriz que está interpretando el personaje de una española. El chico no sabe que es la misma chica a la que también conoce sin el disfraz de su personaje.

Con buenas situaciones cómicas (la lluvia, la chaqueta del mago, los desencuentros con un cargo importante de la productora) y una gran escena final de acción muda; la película mantiene un buen nivel durante todo su metraje. Me gusta mucho la actriz protagonista, Constance Cummings, que no repitió con Harold Lloyd pero que desprende naturalidad y belleza.

El personaje de Harold Lloyd es un torpe que continuamente se mete en problemas (ella le llama directamente así: "problemas") y vuelve a encarnar a un tipo normal con el que el público se puede identificar y que no ejerce ni crítica social ni aspira a la trascendencia artística, más bien lo que busca es la risa fácil.

LES ÉMOTIFS ANONYMES (TÍMIDOS ANÓNIMOS, 2010) - Jean-Pierre Améris

2012-01-15T17:37:00.001+01:00

Un grupo de tímidos se reúnen para hacer terapia tal y como si fueran alcohólicos anónimos. Angélique cuenta que trabajó como chocolatera sin revelar su identidad y que sus creaciones tuvieron gran aceptación pero que debido a su timidez nunca pudo salir a la luz que era ella la artista del chocolate. En su nuevo trabajo, como comercial de una fabrica de chocolates, tiene un jefe con su misma patología: una timidez extrema. Ambos acabarán uniendo miedos y ansiedades en el incierto camino de enamorarse.

Comedia romántica de nacionalidad francesa de un director que se estrena por primera vez en España pese a tener una amplia filmografía. Tampoco son conocidos los dos intérpretes protagonistas aunque a Benoit Poelvoorde lo recuerdo de La bici de Ghislain Lambert (2001) - Philippe Harel. Así nos va entre países vecinos que ambos desconocemos la producción fílmica del otro, estando como está la cartelera cubierta con el abusón (comercialmente) cine norteamericano.

Sin que reniegue de la simpatía de la película así como de la necesidad de comer chocolate que me produjo mientras la veía, me pareció un producto bastante regularcillo con escenas simpáticas (la cita de los tímidos en el restaurante con el hombre sudoroso yendo al baño a cambiarse de camisa) pero que no me gustó especialmente ni en su supuesto encanto candoroso ni en esa sonrisa que a veces me sacaron esos dos torpes tímidos que, irremediablemente, vencerán sus miedos para llegar al encuentro de sus corazones con un par de momento musicales de por medio.

SCHNECKENTRAUM (EL SUEÑO DEL CARACOL, 2001) - Iván Sáinz-Pardo

2012-01-15T14:32:00.001+01:00

El español Iván Sáinz-Pardo ha dirigido un buen puñado de cortometrajes sin todavía haber rodado un largo. Este que aquí reseño es una coproducción con Alemania, rodado en alemán en blanco y negro pero en el que suenan dos canciones españolas de Amaral y Antonio Vega.

Es una bonita historia sobre el amor y la timidez con un desarrollo bello visualmente pero que a mí se me hace algo manido por llegar a ese territorio del amor idealizado y no consumado, entre una chica enamorada y el dependiente de una librería.

Pongo el enlace de youtube para quién lea esto y quiera verlo.

ABRE LOS OJOS (1997) - Alejandro Amenábar

2012-01-12T16:27:00.002+01:00

Alejandro Amenábar después del éxito de Tesis, arriesga con una historia complicada de amor, sueños y ciencia ficción que, aunque fue bien recibida por crítica y público, no consiguió ninguno de los diez Goyas a la que estuvo nominada.

Eduardo Noriega y Fele Martínez repiten con el director, incorporándose las actrices Penélope Cruz y Najwa Nimri, más el veterano Chete Lera, en un reparto dónde la mayoría son actores jóvenes que se debaten en una trama complicada de identidades dónde el protagonista (un omnipresente Noriega) sufre un accidente de circulación en el que su bello rostro se deforma con lo que su vida morosa cambia.

Me impresionó en su estreno por lo bien urdido que está el entramado que explica la historia, pero no me parece que aguante tan bien (en cuanto a suspense e interés) un segundo visionado. De todas formas, me parece una buena película que además confirma el talento de su creador, el riesgo de la apuesta así como el buen papel de los actores que aquí participan.Hay buenas escenas como la famosa de la Gran Vía madrileña desierta y mucha tensión.

Se realizó un remake norteamericano, Vanilla Sky (2001) - Cameron Crowe, más mediocre que la española y con Penélope Cruz volviendo a hacer su personaje junto a Tom Cruise, con el que luego fue pareja en la vida real, además de que se encaminó el siguiente estreno internacional del director: Los otros (2001).

PRETTY WOMAN (1990) - Garry Marshall

2012-01-11T19:59:00.001+01:00

Comedia romántica en el que una guapa prostituta es contratada por un millonario (también guapo) para que sea su chica de compañía durante una semana y que se desarrolla con los ingredientes de cuento de hadas, en el que la princesa es rescatada por un príncipe azul a lomos del caballo de la prosperidad económica y el amor.

Sin quitarle méritos al desparpajo de Julia Roberts, la película abusa de ñoñería aparte de un buen ramillete de escenas condescendientes con la poca credibilidad de la situación. No hay que ser tampoco muy exquisito ya que la trama busca el desenlace amoroso entre los dos protagonistas sin que haya que ser muy espabilado para verlo venir.

Richard Gere es el millonario que hará las delicias de las espectadoras soñadoras y aunque a mí no me gusta su actuación sobria y sin muchos matices, está claro que triunfa de sobra entre el público femenino. El veterano director Garry Marshall volvió a repetir con la pareja en Runaway Bride (Novia a la fuga, 1999).

Sin más aliciente que ver las carantoñas de ella y dejarse entretener por un filme regularcillo que utiliza una banda sonora de éxitos de la música pop y el abanderado de la canción de Roy Orbison como melodía pegadiza, ha sido un gran éxito en España más en sus pases televisivos que en las salas de cine, del que personalmente recuerdo con claridad los carteles de su estreno en Valencia mientras yo trataba de estudiar las oposiciones a mi curro.

BLINDNESS (A CIEGAS, 2008) - Fernando Meirelles

2012-01-09T17:43:00.001+01:00

Leí hace años la novela de José Saramago, Ensayo sobre la ceguera, con mucho interés, tanto por el tema (la gente es aquejada de una ceguera sin explicación), su desarrollo (el supuesto orden de las cosas se va volviendo un caos), así como seductora narrativa.

Cuando me enteré que se iba a adaptar al cine me pareció un proyecto complicado y que igual podía ser una gran película como un fiasco. Se me pasó su estreno en la cartelera y ahora la recupero en DVD.

El brasileño Fernando Meirelles ha sabido llevar a buen puerto esta adaptación. Si algo he de destacar del resultado final, es como ha usado los recursos visuales del cine para contar lo que Saramago había creado en papel. Aquí hay un buen trabajo que consigue captar la esencia de la historia.

Puede que el texto fuera más duro (tampoco lo tengo tan fresco) pero las imágenes, el grupo de actores, el desarrollo de los acontecimientos, los escenarios, las escenas cumbre (impagable ese final tan evocador) hacen que la película tenga fuerza por sí sola y eso ya es mucho decir cuando en principio parecía una adaptación más que difícil.

Mucho de estos elogios van para el equipo de actores en el que destaca Julianne Moore y le secundan Danny Glover, Gael García Bernal, Alice Braga o Mark Ruffalo. De lo que más me alegro es de que no sea un producto comercial norteamericano que, seguramente, hubiera convertido esta angustiosa historia de ciencia ficción en un filme menos válido que esta coproducción entre Brasil, Japón y Canadá. Lo que ya no sé es como funcionó en taquilla pero no me importa tanto.

Porque la verdad es que lo que sí que funciona es como cine de ciencia ficción, como dramática historia de personajes al límite, como alegato político-humanista contra la sociedad, como denuncia sobre la maldad del hombre y hasta como esperanza por la gente buena, la amistad y la lucha por un mundo más justo. Para eso no hace falta estar ciego, es más útil mirar alrededor e intentar cambiar las cosas un poquito.

MONSTERS (2010) - Gareth Edwards

2012-01-02T21:21:00.002+01:00

Finalizo cinematográficamente el año 2011 aunque esta reseña la escriba pasados un par de días del nuevo año, viendo Monsters que sigue la estela de las últimas aportaciones al género de la ciencia ficción humanista como es el caso de Moon o District 9, con la evidente falta de presupuesto de una historia en la que se parte de un planeta Tierra infectado de alienígenas.

Estados Unidos protege su territorio de la invasión extraterrestre que asola al vecino México y el viaje hasta la frontera de dos norteamericanos es la excusa argumental para hablar de política, amor y soledades varias. Así con una puesta en escena que no busca la brillantez formal que evita mostrar a la amenaza en aras de un estilo efectivo y realista, se consigue un ambiente eficaz y la implicación emocional con el devenir de sus protagonistas.

Solamente en su parte final, los efectos digitales serán más evidentes pero hasta llegar allí, la trama se alimenta de las buenas interpretaciones de Scoot McNairy y Whitney Able. El director es novato en estas lides pero la opera prima no pasa desapercibida por originalidad y fidelidad a su propuesta de principio a fin.

Lo reseñable es su buena combinación de tensión y discurso político, en el que da igual que nuestro mundo esté amenazado por seres del espacio exterior cuando siempre nos quedan los recursos afectivos de la humanidad para salir adelante. Lo menos jugoso es que se abusa de una narrativa lenta y poco espectacular en la que las sorpresas esperadas no llegan a hacerse reales. Estoy seguro de que eso habrá decepcionado a muchos de los espectadores pero a mí me compensa el lirismo de su parte final y me deja un buen recuerdo como aficionado al género.

STRAW DOGS (PERROS DE PAJA, 1971) - Sam Peckinpah

2011-12-29T23:59:00.000+01:00

Ahora que se acaba de estrenar en España su remake, reviso la película original de Sam Peckinpah de la que tengo el recuerdo de verla en sesión doble en mi juventud con la curiosidad de que entré en la sala en su parte final y luego volví a verla entera desde el principio.

No soy admirador del cine de Peckinpah y lo que conozco de su filmografía se limita a The Wild Bunch (Grupo salvaje, 1969), Cross of Iron (La cruz de hierro, 1977) y Convoy (1978), aunque estoy al tanto de su tendencia al cine con violencia, de la que Perros de paja es un buen exponente y, dicho de paso, para mi la mejor de las películas que he visto del director.

Dustin Hoffman la interpretó en uno de los momentos culminantes de su carrera, tras éxitos como The Graduate (El graduado, 1967), Midnight Cowboy (Cowboy de medianoche, 1969) y Little Big Man (Pequeño gran hombre, 1970). Le acompañan en el reparto Susan George, Peter Vaughan y Sally Thomsett (ésta se hizo famosa por la serie Un hombre en casa) junto con un buen ramillete de secundarios inolvidables.

La historia es un cúmulo de situaciones de tensión creada a partir de la llegada a una pequeña localidad británica de un matrimonio formado por una chica del lugar y un norteamericano. Un grupo de vecinos del lugar les hostigan y el marido acabará reaccionado violentamente para defenderse de la situación extrema.

Basada en al novela "The Siege of Trencher's Farm" de Gordon M. Williams, es un film trenzado de tal manera que acaba desembocando en un espiral de viloencia. El desarrollo es bastante polémico con una temática de claro tinte machista y la controvertida escena de la violación en la que la chica violada muestra en parte su deseo durante la violación. No es una película en la que haya sutilezas, la tensión crece y al final explota en las manos de los protagonistas, pero cómo se llega a ese punto final es lo que verdaderamente me gusta de ella.

TORRENTE 4 LETHAL CRISIS (2011) - Santiago Segura

2011-12-29T00:43:00.001+01:00

Hace algo más de un año reseñaba por aquí la saga de Torrente y acaba de salir en la prensa que esta cuarta entrega ha sido la película más taquillera este año en España. Así que, pese a que se trata de la peor de las entregas del personaje de Santiago Segura, el público ha vuelto a responder en la sala grande.

Torrente en 3D, con más amiguetes, con efectos especiales, el acompañamiento de Paquirrín en sus correrías y una historia desvalazada que no mantiene ningún punto de interés salvo reírse de las supuestas gracias.

Pero a mí esta vez, el estilo de sus chistes ya me cansa y creo que el cutrerío de la propuesta ha tocado fondo aunque me parece curioso que siga consiguiendo el éxito frente al resto de estrenos. Supongo que mientras siga dando dinero, habrán más entregas, eso es casi inevitable.

Por destacar algo, lo haré con los títulos de crédito y las explosiones de coches. El resto casi diría que insufrible.

SLEEPING WITH THE ENEMY (DURMIENDO CON SU ENEMIGO, 1991) - Joseph Ruben

2011-12-29T00:23:00.001+01:00

La llegué a ver en sala de cine y ahora la reviso en DVD volviendo a confirmar que es una película irregular con el único aliciente de la interpretación de Julia Roberts.

Su director hizo alguna incursión parecida en el género de suspense: The Sepfather (El padrasto, 1987) y The Good Soon (El buen hijo, 1993), creo que son las únicas que he visto.

La historia cuenta una relación de malos tratos en un matrimonio en el que ella vive atemorizada por la personalidad celosa y agresiva del marido. En definitiva, una historia para olvidar, bastante sosa, con sustos y temores rutinarios que igual que se ve, se olvida para siempre.

CONTAGION (CONTAGIO, 2011) - Steven Soderbergh

2011-12-22T00:07:00.000+01:00

Un virus se extiende por el planeta y las autoridades sanitarias buscan su origen y vacuna. Con este resumen del argumento, podría hacerse una típica película de efectos especiales, con acción y dosis de secuencias impactantes; pero Steven Soderbergh rueda un film frío en el que se busca el realismo de cómo una amenaza viral podría acabar con la vida de unos cuantos humanos.

Utiliza a un reparto coral en el que intervienen Jude Law, Gwyneth Paltrow, Matt Damon, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Elliott Gould o Kate Winslet; y una narrativa bastante aséptica, sin demasiadas concesiones al espectáculo ni al dramatismo emocional, pero también con ciertas dosis de frialdad.

En conclusión, aunque el tema me ha parecido interesante y bien contado, también he echado de menos algo más de emoción en un relato que me ha sacado parte mi personalidad hipocondríaca durante su visionado pero que no ha ha conseguido entusiasmarme.

FEET FIRST (¡AY, QUE ME CAIGO!, 1930) - Clyde Bruckman

2011-12-21T23:08:00.000+01:00

Primer fracaso de aceptación del público en la filmografía de Harold Lloyd y segundo de sus largometrajes sonoros, concebida como una revisitación de la escalada de un edificio como en Safety Last! (El hombre mosca, 1923).

Esa secuencia de la parte final viene precedida por la historia de un vendedor de zapatos que se hace pasar por rico para conquistar a la chica que le gusta. Hay un exceso de dialogos y poca acción como si quisiera implantar un nuevo estilo en su cine sonoro, pero por ese lado no lo consigue ya que la película tiene partes bastante tediosas y además parece ser que la secuencia sonora en la fachada del edificio, angustiaba a las espectadores más que les hacía reír, porque se escuchaban sonidos de la calle, el claxon de los coches o los gritos pidiendo ayuda.

Barbara Kent repite como la chica de la película y Noah Young como uno de los secundarios. Los estudiosos dicen que a partir de este fracaso en la carrera de Harold Lloyd, sería consciente que su cine de acrobacias no cuadraba bien con el sonoro y comenzaría su declive como gran estrella.

IRON MAN 2 (2010) - Jon Favreau

2011-12-19T17:45:00.001+01:00

Secuela de Iron Man que vuelve a ser dirigida por el actor/director Jon Favreau y que, aunque inferior a su predecesora, mantiene un buen nivel en el que destacan algunas espectaculares escenas de acción y el carisma de su protagonista.

Y es que Robert Downey Jr. consigue con facilidad hacerse dueño de la pantalla en el papel del millonario Tony Stark. Además viene acompañado del malvado que interpreta Mickey Rourke, que es todo un derroche de presencia inquietante en cada una de sus apariciones.

Así que tanto las escenas de acción (muy buenos FX), como las que son más intimistas, consiguen que la franquicia avance. Es cierto que el guión no tiene la calidad de la primera parte, pero también que para un aficionado a los cómics Marvel, es un aliciente comprobar como van apareciendo personajes como Nik Furia (el siempre eficaz Samuel L. Jackson) o La Viuda Negra (una fría y atractiva Scarlett Johansson), con lo que se salvan sus defectos (inaguantable el personaje de Justin Hammer) y se disfruta de un film entretenido y en ocasiones muy espectacular.

INFORME DE EDUCACIÓN Y CULTURA SOBRE LA VOS

2011-12-15T17:48:00.002+01:00

Hoy se ha publicado la noticia de que la Comisión para el fomento de la versión original en la exhibición de las obras audiovisuales, creada por los Ministerios de Educación y Cultura de España, recomienda que de aquí en dos años el canal de audio de las televisiones sea por defecto el original. Una mínima medida para fomentar la versión original con subtítulos en la televisión.

El informe destaca que en España solamente el 3% de los espectadores de cine escogen películas en VOS. No me extraña, cuando en la mayoría de capitales de provincia españolas no existe la posibilidad de ver cine no doblado.

Soy uno de los que engrosan ese escaso 3% y es rarísimo que vea una película doblada, aunque este año he visto una en cine y ninguna en televisión. El doblaje no es mi opción para ver cine, tampoco para ver series y mi refugio está en los subtítulos del TDT, Canal Satelite Digital, DVDs y en las salas que exhiben cine en versión original en Madrid.

Pero de todo esto ya he hablado por aquí en El cine en VOS, Artículos en El País sobre versión original en los cines españoles, Escapando del doblaje y en El doblaje en España. Censura, chapuzas y curiosidades. Estoy un poco obsesionado con el tema.

ALL ABOUT BETTE (TODO SOBRE BETTE, 1994) - Susan F. Walker

2011-12-15T00:22:00.001+01:00

Documental que he visto al venir incluido en los extras de la edición en DVD de ¿Qué fue de Baby Jane? Repasa la carrera cinematográfica de la gran Bette Davis con extractos de entrevistas, apariciones en televisión y por supuesto, escenas de sus películas.

Jodie Foster aparece como narradora pero lo interesante es ver a la misma Bette Davis opinando sobre su carrera y saber más de su vida personal y artística con este buen documental que me deja con ganas de ver muchas de las películas en las que interviene que todavía no conozco.

WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? (¿QUÉ FUE DE BABY JANE?, 1962) - Robert Aldrich

2011-12-14T23:55:00.002+01:00

Robert Aldrich adapta la novela de Henry Farrell sobre la historia de dos viejas hermanas que fueron actrices y que ahora viven juntas porque una de ellas está invalida y es cuidada por la otra. Para ello cuenta con el protagonismo de Bette Davis y Joan Crawford, que mantenían una relación de enemistad profesional y personal.

Rodada en blanco y negro es todo un prodigio de utilización de la tensión creado por el personaje desquiciado de Baby Jane (Bette Davis), enferma mental y alcoholizada, que tortura a su hermana Blanche (Jon Crawford) debido a los celos y su desequilibrio cada vez más creciente. Así se presenta esta película que no solamente es un relato terrorífico sino que mantiene una profundidad de temas como la decadencia de la vejez, la carrera de los niños artistas, las relaciones familiares o el drama de la enfermedad mental.

Es una película que consigue dar miedo por su truculencia, con esa pobre mujer invalida asediada por su hermana, y con una serie de personajes a su alrededor que no logran sacarla de su cautiverio. Bette Davis es el punto absoluto sobre el que discurre casi todo el interés de la historia, con una interpretación genial, extrema y llena de matices. Consigue que su personaje se haga inolvidable por ese rostro terrorífico que mantiene durante toda la función.

También hay que darle su merito al director que a pesar de que la trama se mantiene en su mayor parte en el único escenario de la casa, logra una realización plagada de detalles y con algunas escenas realmente magistrales. Además la historia comienza con dos prólogos que nos llevan a la infancia y juventud de las dos hermanas; para acabar de rematarla en la playa en la escena final. Por la parte central hace su aparición el personaje de un pianista con el que Baby Jane intenta retomar su carrera y cuya aparición me gusta especialmente por la sordidez del mismo y su dependencia materna.

Recuerdo la primera vez que la pude ver en televisión y a pesar del tiempo transcurrido, como mantenía fresca en mi cabeza el ambiente claustrofóbico de la cinta. Puede que abuse de una música que acentúa demasiado determinadas secuencias, que no sea del todo creíble que Blanche no consiga escapar de su reclusión o que se anticipen algunas de las sorpresas terroríficas (el contenido de la cena), pero sigo viéndola con interés y disfrutando de un duelo interpretativo de altura.

La he vuelto a ver en una edición en DVD con varios extras que incluyen un repaso a la carrera de las dos actrices en una entrevista en la BBC a Joan Crawford y en el documental All about Bette sobre Bette Davis.

IN TIME (2011) - Andrew Niccol

2011-12-11T18:05:00.001+01:00

En un futuro el sistema capitalista se basa en el tiempo, moneda de transacción y contador de cuanto queda de vida. Nadie envejece más allá de los 25 años y un reloj en el brazo incrustado marca del tiempo del que se dispone. Se trabaja por tiempo, se compra con tiempo, se necesita tiempo para no morir.

Andrew Niccol, director y guionista, sigue engordando su filmografía con propuestas futuristas de planteamientos originales. Tal era el caso de Gattaca (1997), Simone (2002) o con su guión de El show de Truman (1998) - Peter Weir. Con ese bagaje es cierto que la originalidad de la historia, es lo que más se puede destacar de este film que luego decae en interés por diversos motivos.

Francamente bien expuesto el tema, parece que se tiene que supeditar a la acción y a varias escenas supuestamente impactantes que, en realidad, bajan el nivel del correcto inicio (por ejemplo la muerte de la madre del protagonista). Así que lo que podía haber sido una película con trascendencia para el género de la ciencia ficción, queda como un producto curioso que no llega al nivel de su original punto de partida.

Me gusta comprobar que a la pareja de fugitivos formada por Justin Timberlake y Amanda Seyfried se le han buscado referencias cinematográficas, que inevitablemente pasan por identificarse como unos nuevos Bonnie and Clyde. También reconocer a uno de los actores de la serie Mad Men, VIncent Kartheiser, que tampoco es que aporte mucho al millonario (en tiempo) que interpreta.

Para acabar, es cierto que no me ha apasionado el desarrollo de esta cinta, pero también quiero dejar claro que me ha convencido en su condición de metáfora en la que se nos dice que el tiempo es en realidad nuestra moneda de cambio y que no hay que malgastarlo. Claro que no me resulta muy creíble como se presenta la historia y por otra parte, me interesa ese mundo en el que todos son jóvenes (no se puede saber si uno es viejo por su aspecto), dónde todos llevan un contador que marca su riqueza y tiempo de vida, y en el que cualquier transacción se realiza con los movimientos que marcan los ascensos o bajadas del reloj digital vital.

FROM DISK TILL DAWN (ABIERTO HASTA EL AMANECER, 1996) - Robert Rodríguez

2011-12-11T13:43:00.003+01:00

Robert Rodríguez después de llamar poderosamente la atención con su debut El mariachi (1992) y su remake-secuela Desperado (1995), pasa a formar equipo con su amigo Quentin Tarantino, con el que dirige uno de los cuatro segmentos de For Rooms (1995).

Al año siguiente, también junto con Tarantino que firma el guión y es uno de sus protagonistas, estrena Abierto hasta el amanecer. Película en la que la violencia, el vampirismo, el humor, la mezcla de géneros y la verborrea, tan común a la filmografía de éste, consigue un producto impactante con gran éxito de público.

La pareja de hermanos asalta bancos formada por un magnífico George Clooney y Quentin Tarantino, se encuentran con una familia con padre religioso que ha perdido la fe (Harvey Keitel) y sus dos hijos (Juliette Lewis y Ernest Liu). Este grupo variopinto, acaba en un local mexicano dónde la trama dará un giro con la aparición de los vampiros liderados por la bailarina que encarna Salma Hayek.

Puede que sus excesos sangrientos (rayando el gore) así como el gamberrismo del que hace gala, sean tanto defectos como virtudes de esta película que, por otra parte, demuestra la valentía de sus creadores en su original manera de plantear temas, que luego ha sido más que plagiada en su estilo que surge directamente de productos de serie B. Marco fílmico a la que son tan asiduos Robert Rodríguez como Quentin Tarantino. Un claro ejemplo ha sido el estreno simultaneo (como las antiguas dobles sesiones) de Grindhouse: Death Proof / Planet Terror (2007).

Lo que resulta evidente es que se lo pasan bien llevando a la pantalla sus invenciones y la diversión que transmiten, me resulta más que envidiable. El resultado es que conectan con un público asiduo y además permanecen fieles a su manera de entender el negocio del cine. Reseñar que en 1999 se estrenó una secuela que no he visto pero que ha recibido palos a diestro y siniestro por su mala calidad.

MELANCHOLIA (MELANCOLÍA, 2011) - Lars Von Trier

2011-12-08T23:36:00.007+01:00

Del director danés Lars Von Trier he visto gran parte de su filmografía, pero de sus últimas obras me perdí Manderlay (2005) y Anticristo (2009). Quedé un poco saturado de la genialidad excesiva que ofrece en cada una de sus creaciones.

Ahora lo intento con Melancolía y vuelvo a encontrarme con muchas de las constantes de su cine. Imágenes bellas, pretensiones desmesuradas, visión negativa de la vida y buenas interpretaciones femeninas. Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg se lucen en el duelo fraternal de sus personajes que son acompañados por un buen puñado de actores.

El comienzo es una sucesión de imágenes que resumen lo que ocurrirá posteriormente. Luego la historia se divide en dos partes, con el nombre de cada una de las hermanas: Justine y Claire. La primera narra una noche de bodas llena de disputas, malentendidos, depresiones y salidas de tono. La segunda nos sitúa en la casa de Claire dónde los pocos personajes que allí viven, se encontrarán con sus últimos días de vida antes de que el planeta Melancolía colisione con nuestra frágil Tierra.

La narración al estilo Dogma e intimismo de pieza de cámara, no es obstáculo para que necesariamente me aleje de lo que me cuentan, pero a ratos no encuentro más que superficialidad en algunas de las decisiones estéticas o de guión. Finalmente acabo enganchado a su poética, a la desesperanza de los seres que habitan la historia y al pesimismo que el director-guionista vuelve a demostrar en su vástago fílmico. Es imposible no atribuirselo a Lars Von Trier por lo que se hacen innecesarias pruebas de ADN que certifiquen que es suya esta melancolía en estado puro.

CONTACT (1997) - Robert Zemeckis

2011-12-08T22:59:00.003+01:00

Sin buscarlo premeditadamente reviso una película de Robert Zemeckis que ya vi en el cine, director del que hace nada escribí sobre Back to the Future.

Esta adaptación del original literario de Carl Sagan, se empeña en mezclar ciencia con religión y por ahí yo no consigo identificarme lo más mínimo. Jodie Foster es una astrónoma empeñada en encontrar vida extraterrestre desde niña, hasta que se produce el contacto del título.

La trama resulta entretenida pero el aspecto religioso va tomando más y más protagonismo. Supongo que para una persona con fe, tendrá su explicación, pero para alguien como yo pues es ridículo que se le dé ese peso en un film de ciencia ficción.

Hay un par de personajes que me resultan intragables: el pastor guaperas y el millonario excéntrico interpretado por John Hurt. Para rematar el final místico-espiritual-familiar se me antoja bastante ridículo.

El resto de la cinta la veo con bastante interés. Jodie Foster no está mal y hay algunas escenas que me gustan: el circo de gente que acampa en los alrededores del observatorio y la aparición del vídeo con Hitler inaugurando los juegos olímpicos, pero en general me parece una película flojilla.

La trilogía de BACK TO THE FUTURE (REGRESO AL FUTURO) - Robert Zemeckis

2011-12-01T23:39:00.006+01:00

Robert Zemeckis y Bob Gale llevaban años intentando rodar el guión de Back to the Future, hasta que Steven Spielberg que por entonces ya había producidos varías películas de las que no era el director: Poltergeist (1982), Gremlins (1984) o Los Goonies (1985); se hizo con los mandos de lo que luego fue el inicio de una exitosa trilogía que consiguió formar un sólido conjunto.

BACK TO THE FUTURE (REGRESO AL FUTURO, 1985) - Robert Zemeckis

Fusión entre comedia adolescente típica de los años 80 y ciencia ficción con el tema de los viajes en el tiempo.

Empezando por su original y paradójico título, es todo un acierto de guión el viaje temporal de Marty, el protagonista, a los años 50, dónde conoce a sus padres de jóvenes y tiene que hacer que se enamoren para que él mismo pueda nacer.

Buenos gags, actores en estado de gracia y una trama interesante por multitud de detalles. Todo tiene importancia y las cosas intranscendentes que hemos visto cuando el protagonista estaba en los ochenta, cobran trascendencia al viajar al pasado porque son fundamentales para la historia. La máquina del tiempo es un automóvil Delorian, se trata el inicio del rock and roll, apuntes sociales como la discriminación racial y se idealiza la década de los cincuenta en ese viaje al pasado.

Es prácticamente la primera película de Michael J. Fox, que sustituyó a Eric Stoltz cuando ya había rodado escenas. El otro gran papel es para Christopher Lloyd, directamente genial en su rol del científico Doc.

BACK TO THE FUTURE PART II (REGRESO AL FUTURO II, 1989) - Robert Zemeckis

La segunda y tercera parte de la trilogía se rodaron simultáneamente, con el mismo equipo y director.

En esta continuación, Marty viaja al futuro para intentar que su hijo no sea encarcelado. La recreación de ese mundo futuro es lo que menos me gusta de la trilogía. Se nota más descompensado y con menor ritmo narrativo.

Cuando de nuevo tiene que volver a la década de los cincuenta, la película retoma interés y es una gozada ver esas escenas en que se recrean los acontecimientos de la primera entrega.

Al final, a pesar de que no consigue el nivel de su predecesora, si que se salva por sus aciertos en efectos especiales, paradojas temporales y personajes.

BACK TO THE FUTURE PART III (REGRESO AL FUTURO III, 1990) - Robert Zemeckis

La tercera parte es directamente un divertimento ambientado en la época del Oeste americano.

La historia retrocede cien años y esta vez lo importante es salvar a Doc de una posible muerte por lo que los acontecimientos que suceden no van a importar tanto en el devenir existencial de lo que nos contaba la película original.

A pesar de que se utilizan infinidad de tópicos del western (indios, saloon, caravana, ferrocaril, duelos, Clint Eastwood,...), la película es muy disfrutable y tiene una parte final trepidante con buenísimos efectos especiales.

Se introduce a un personaje femenino que se enamora de Doc, interpretado por Mary Steenburgen, y finalmente la trilogía acaba siendo un producto redondo con muchas virtudes y dosis de entretenimiento.

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Lo que más me gusta de Back to the future, es que supo no dejarse tentar por el éxito fácil y se mantuvo fiel a su buen inicio. La mejor de todas es la primera, pero las otras dos tampoco están nada mal.

Parte de culpa de este buen nivel, viene porque fueron rodadas por el mismo equipo dirigido por Robert Zemeckis que supo sacarle todo el jugo a una buena historia con actores muy adecuados que dieron vida a buenos personajes.

A DECADE UNDER THE INFLUENCE (UNA DÉCADA BAJO LA INFLUENCIA, 2003) - Ted Demme y Richard LaGravenese

2011-12-01T17:17:00.002+01:00

Documental que analiza la revolución en el cine norteamericano durante la década de los setenta.

Un período que se podría englobar (a modo ligero) desde el estreno de varios films significativos como The Graduate (El Graduado, 1967), Bonnie and Clyde (1967) y Easy Rider (1968); y que iría muriendo con el gran éxito de Jaws (Tiburón, 1975), Star Wars (La guerra de las galaxias,1977) o Grease (1978).

El público se encontró con un cine diferente que aportaba nuevos temas: feminismo, homosexualidad, ambigüedad moral, pacifismo. historias y personajes cercanos, drogas, derechos civiles; y luego recibió con gran éxito a las superproducciones de finales de los setenta, con un cine de escapismo, evasión y que supo aprovechar el filón del merchandising para seguir haciendo caja.

Con imágenes de archivo, tanto reales como de las películas de esa época, así como testimonios de personalidades vinculadas a la industria del cine, el documental es un gran estudio sobre el movimiento llamado "Nuevo Hollywood" que significó un importante cambio en las películas que se hacían en Estados Unidos.

Es un período de la historia del cine que me interesa mucho. No en vano quiero empaparme del cine que comprende este movimiento, descubrir películas desconocidas y revisionar las que ya he visto.

El documental es todo un empuje para esa pretensión que me gustaría llevar pronto a cabo (será mi próximo ciclo), cómo también la lectura de Moteros tranquilos, toros salvajes de Peter Biskind y ver el documental The kids stays in the picture (El chico que conquistó Hollywood, 2002) - N. Burstein y B. Morgen.

Por lo pronto, he disfrutado mucho con Una década bajo la influencia que homenajea en el titulo a A Woman under the influence (Una mujer bajo la influencia, 1974) - John Cassavetes, aunque en su emisión en TCM lo han titulado como La década que revolucionó Hollywood.

En sus imágenes hay testimonios de gente como Paul Schrader, Robert Altman, Martin Scorsese, Julie Christie, Sidney Pollack, Francis Ford Coppola, Jon Voight, William Friedkin, Dennis Hooper, Peter Bogdanovich, Roger Corman, Roy Scheider y unos cuantos más.

No escatima títulos ni reniega de hablar del cine fuera de las fronteras USA, por lo que comienza mencionando a directores como Godard, Trufaut, Buñuel, Bergman, Visconti, Renoir, Rossellini, Kurosawa, Fellini, De Sica, Bertolucci, Antonioni, Kurosawa, Ozu, etc. Claro que también busca sus propios referentes en las televisión norteamericana (con John Frankenheimer, Sidney Lumet o Arthur Penn), el cine independiente de John Cassavetes, las producciones de la factoria de Roger Corman o el nuevo cine británico.

Dentro de poco me pondré a hacer un ciclo sobre este período que tanto me llama la atención de la historia del cine USA. Recomiendo este documental que está dedicado a Ted Demme, uno de los directores, fallecido antes de su estreno.

23 F: LA PELÍCULA (2011) - Chema de la Peña

2011-11-30T17:07:00.001+01:00

Al cumplirse treinta años del intento de golpe de estado del 23 de febrero de 1981, se ha estrenado esta película que recrea ese acontecimiento de la historia reciente de la democracia española.

Chema de la Peña, director de la mediocre Isi/Disi Amor a lo bestia (2004) pero también de un documental que me gustó: De Salamanca a ninguna parte (2002), es el encargado de llevar el mando y aunque no consigue un gran producto, lo hace con más que dignidad.

La trama está contada con ritmo e interés, tanto didáctico como de suspense cinematográfico. La historia es de sobra conocida por lo que no cabe esperar sorpresas, pero sí que consigue tenerme interesado en su desarrollo con un buen tono y algunas interpretaciones sobresalientes.

Por ese lado, tengo que destacar a Paco Tous que se transmuta en Antonio Tejero de manera impecable. Su patriotismo militar envuelto en un carácter violento y fiel a sus principios, hacen del personaje público un gran personaje ficticio en la pantalla. Es en su presencia dónde más se disfruta de la película, pero tampoco es desdeñable la interpretación del resto del reparto que dan vida a políticos y personajes públicos conocidos.

La ficción también se nutre de imágenes de archivo en las que se incluyen los rostros de los periodistas que informaron por la televisión del angustioso acontecimiento. La fidelidad de los hechos tendrá sus partidarios y detractores pero sí que se trata de la versión que se considera oficial. Por ello, es recomendable, como se cuenta la importancia de la figura del Rey Juan Carlos o las escenas en que vemos a los políticos de la época. No será todo cierto pero está bien contado. Claro que eso pasará en la mayoría de las películas basadas en hechos históricos.

Sin duda, el film consigue su propósito: recrear con verosimilitud pero también con buen pulso narrativo el 23F. Por mi parte no hay pegas que ponerle y me parece totalmente válido y más interesante de lo que me esperaba.

Menu mensual de cine.

2011-11-29T01:04:00.004+01:00

Veo mucho cine, tal vez demasiado, lo reconozco. Tendría que hacérmelo mirar pero no sé si quiero.

En fin, que vista mi poca disposición a cambiar este hábito cinéfago, por lo menos me gustaría que mi dieta fuera variada y rica en todo tipo de productos.

Para ello, me he propuesto intentar cumplir una serie de normas no escritas pero para mí válidas. Ver mensualmente una serie de películas que cumplan ciertos requisitos y así no dejarme llevar por mi mala cabeza y hartarme de determinadas manías que me impiden llevar una vida (cinematográfica) más sana.

Así que aquí está mi menú mensual con raciones que van bajando de 4 a 1:

4 novedades o sea películas que estén en cartel o hayan estado hace poco. Plato necesario para estar al tanto de lo que se cuece actualmente. También sirven películas que no se hayan estrenado todavía y que lleguen a mis ojos por arte del P2P, pero sin abusar de dármelas de listo y enterado.

3 obras pertenecientes al ciclo que suelo hacer siempre sobre un determinado género, actor, director o lo que sea. Ahora estoy con Harold Lloyd y a tres por mes no me durará mucho.

2 clásicos que no conozca o tenga muy olvidados. Llamo clásicos a films anteriores a la década de los setenta que por su renombre o el de sus creadores pueda considerarse de tal guisa.

1 gran película y aquí todo es más confuso, pero quede claro que es una gran película para mí, que me gustó especialmente, que la considero así y que quiero volver a tener el placer de saborearla. De esas que les pongo cuatro o cinco estrellitas.

De postre todo lo demás, sin limites ni restricciones. Cine de todo tipo, sea el que sea, no importa si también estaba incluido en el menu anterior o si son nuevos platos exóticos o nacionales. Dejo la puerta abierta a la improvisación y a mi propio apetito.

Pues nada más. Este es mi menu mensual de cine. Noviembre ya ha sido cubierto por esta dieta. Una, dos, tres y cuatro novedades por lo menos (ha habido más). Una, dos y tres pelis del ciclo actual que estoy viendo. Una y dos cintas clásicas. Y por último, una gran película que llevarme a la boca. A quién le interese saber de que títulos hablo que pinche los enlaces.

Ahora toca diciembre. Uf, va a estar difícil pues ya es sabido que es un mes en el que nos damos atracones de polvorones, turrón y demás frivolidades.

THE NIGHT OF THE IGUANA (LA NOCHE DE LA IGUANA, 1964) - John Huston

2011-11-29T00:26:00.001+01:00

Adaptación de la obra teatral de Tennessee Williams con un plantel de actores que incluye a Richard Burton, Ava Gardner, Deborah Kerr y Sue Lyon.

Vista ahora por primera vez, me parece totalmente desfasada y con un exceso teatral que le resta verosimilitud e impacto a una historia que trata con bastante atrevimiento para la época el tema del sexo, del celibato y de la fe en Dios.

John Huston se involucra en la dirección y consigue sacar unas buenas interpretaciones, sobre todo de Ava Gardner, madura y sensual en el personaje de la dueña del hotel. No es suficiente para que haya partes totalmente ridículas, destacando todo lo que se refiere a la pareja de jóvenes nativos que no dejan de tocar las maracas (peleen, hagan el amor o carguen maletas). Resultan graciosos pero supongo que no era esa la intención.

Lo que más me gusta es el tono obsesivo de la historia, con esos personajes sudorosos y excéntricos. De todos ellos me quedo con el grupo de mujeres turistas lideradas por una especie de sargenta gritona y vengativa.

Igual que me ocurrió con Reflejos en un ojo dorado (1967), creo que la cinta ha envejecido muy mal y se ha quedado en un film para mitómanos de sus actores y que solamente se puede disfrutar pasando por alto su caduca visión de la vida. Es curioso como otras obras del mismo autor teatral llevadas al cine, si que siguen manteniendo su vigencia, por ejemplo Cat on a hot tin roof (La gata sobre el tejado de zinc, 1958).

ONE DAY (2011) - Lone Scherfig

2011-11-28T23:51:00.002+01:00

Las películas de la directora danesa Lone Scherfig siempre me habían convencido. Desde el humor nórdico de Italiensk for begyndere (Italiano para principiantes, 2000), la comicidad de la desesperación existencial de Wilbur Wants to Kill Himself (Wilbur se quiere suicidar, 2002), o la obligada madurez de una joven en An Education (2009).

En su nueva película, una comedia romántica en la que como leit motiv se repite un mismo día (el 15 de julio), dónde vemos la evolución de una pareja de amigos enamorados, no he tenido las mismas buenas sensaciones que en el resto de su filmografía.

Anne Hattaway y Jim Sturgess son los ejes sobre los que gravita la acción y aunque tiene buenos puntos románticos, me sobra pasteleo, me canso de la anodina vida del chico como presentador de televisión y ligón sin descanso, así como me agotan los lugares comunes a los que la trama recurre.

Acabo deseando que la acción llegue pronto a la actualidad, lugar desde dónde comienza, para que el desenlace abra paso a los títulos de crédito y salvo puntuales escenas, la bella presencia de la actriz protagonista y algún acierto casual, en general acabo más que harto de cada 15 de julio anual que se empeñan en mostrarnos cuando a mí ya poco me importa que más les pueda pasar a los tortolitos en tan señalada fecha.

WELCOME DANGER (¡QUE FENÓMENO!, 1929) - Clyde Bruckman y Malcolm St Clair

2011-11-28T17:34:00.003+01:00

Primera película sonora de Harold Lloyd que se rodó muda y luego se adaptó al sonoro con nuevas escenas y diálogos.

El sonoro ya estaba aceptado (y reclamado) por el público, por lo que Harold Lloyd tuvo que sumarse a la novedad, siendo de los cómicos del mudo que mejor llevó el cambio. Su voz era buena y no decepcionaba con su imagen por lo que fue un gran éxito de taquilla.

A mí si que me ha decepcionado porque la encuentro bastante menor que su filmografía anterior. Los diálogos tienen abundancia de chistes tontos y la acción se ralentiza. También hay aciertos de guión que saben aprovechar el paso al sonoro: Harold gritando a la chica que no le escucha por el pitido del tren o la escena en que está a oscuras con un policía y solamente les oímos hablar sin ver lo que ocurre.

La historia va del hijo de un famoso policía que llega a una Comisaría que está investigando los crímenes de Chinatown. Su interés por las huellas digitales le servirá para resolver la identidad del criminal más buscado. Entre tanto conocerá a la chica (Barbara Kent es la nueva heroína) y como es natural, se enamorarán entre acrobacias, gags y la divertida presencia del actor Noah Young como el policía que acompaña a Harold.

En la dirección está Clyde Bruckman que ya había trabajado con Buster Keaton y luego repetiría con Lloyd.

RISE OF THE PLANET OF THE APES (EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS, 2011) - Rupert Wyatt

2011-11-24T17:32:00.004+01:00

Precuela de la saga de la década de los setenta que utiliza los avances tecnológicos del cine actual para retomar la historia de la dominación de la Tierra por una raza evolucionada de simios.

Sin tener en cuenta la explicación que en el tercer film de la clásica saga, se daba al nacimiento de César, el primate que liderará la revolución de su raza, aquí todo parte de la investigación por parte de un científico de una cura para el alzheimer. Al utilizar a un simio como objeto de sus experimentos, hace que un hijo de éste, crezca con una inteligencia muy desarrollada.

La cinta se mantiene entretenida en toda su trama. Es un buen producto comercial que esta vez, no es sinónimo de falta de ideas. Al contrario, la acción tarda en arrancar para que así se madure la visión de cómo César llega a ser un ser superior al resto de simios. Y lo mismo ocurre con los humanos, que no son meros comparsas, sino que tanto el científico como su padre (enfermo de alzheimer y verdadero acicate para que el hijo esté interesado por conseguir el éxito en su investigación), están bien definidos y son creíbles.

Es sublime como se han recreado a los simios digitalmente. César, el protagonista de la película, está creado a partir de la interpretación de Andy Serkis, que ya hizo esta labor en segundo plano como Gollum en la trilogía de El señor de los anillos o hace poco en la película de Tintin de Steven Spielberg. La gestualidad del rostro del primate, es toda una maravilla y eso unido a la brillantez digital, me deja anodado y me hace reflexionar sobre que es posible cualquier cosa en ese aspecto técnico. James Franco, John Lithgow y Freida Pinto, son la parte principal de los actores de carne y hueso que también cumplen con su cometido.

Toda la complejidad de la lucha personal que César mantiene por verse discriminado en un mundo de humanos, está tratado con muy buen pulso. Luego, en la parte final, vienen las escenas de pura acción en el Golden Gate que a mí, personalmente, me sobraban porque directamente creo que están hechas para ganarse al espectador que va buscando esa dosis de adrenalina a la que el cine fantástico comercial norteamericano le tiene acostumbrado.

Tampoco quiero olvidarme de los continuos guiños a la saga clásica desde referencias al viaje espacial de los astronautas que protagonizaran la primera entrega, a frases míticas (¡Quita tus asquerosas manos de mí!), la aparición del nombre del apellido Jacobs escrito por uno de los simios (Arthur P. Jacobs fue el productor de la saga simiesca) y varios homenajes más a lo largo de la cinta.

Lo mejor es comprobar que no ha sido una revisitación de una película fantástica clásica con el único objetivo de llenar las arcas con su previsible éxito de taquilla. Se nota que se ha hecho un producto con mimo, interés y ganas de no pasar desapercibidos. Se agradece el resultado final y visto su apoyo crítico y de público, deja con ganas de la siguiente entrega.

Lo peor, en cambio, es que no puede dejar de ser un producto comercial que se pliega a los estándares de escenas de acción gratuitas y cierta simpleza argumental. Sin embargo, no puedo obviar que su originalidad de guión es una opción más interesante que el estreno del "remake" que supuso The Planet of the Apes (El planeta de los simios, 2001) - Tim Burton, pero tampoco hago ascos a los cambios que esa película que recogía partes de la novela original, ignoradas por las pelis de los setenta, e introducidas por ella en el universo simiesco cinematográfico.

La saga de THE PLANET OF THE APES (EL PLANETA DE LOS SIMIOS)

2011-11-23T18:00:00.006+01:00

THE PLANET OF THE APES (EL PLANETA DE LOS SIMIOS, 1968)

El año 1968 nos depara el estreno de una de las obras más importantes de la ciencia ficción en el cine. La película dirigida por Franklin J. Schaffner para la Twentieth Century Fox tiene un gran éxito y es el inicio de saga con cuatro continuaciones, cada vez menos interesantes.

Es un proyecto personal del productor Arthur P. Jacobs apoyado por el actor principal, Charlton Heston. El argumento parte de la novela "La planète das singes" de Pierre Boulle (publicada en español en la colección Reno de Plaza & Janes) y nos cuenta el singular viaje espacial de cuatro astronautas norteamericanos.

Su nave aterriza en un planeta desconocido habitado por simios inteligentes y superiores a los primitivos humanos. Cada uno de los astronautas tiene diferente suerte en este nuevo mundo, empezando porque la única mujer muere en el viaje espacial. Los tres astronautas masculinos descubren que están en un planeta en el que la raza superior son los simios que dominan a la inferior de los humanos. Los simios dividen su sociedad en tres jerarquías que derivan de las tres especies formadas por orangutanes, chimpancés y gorilas.

El comandante de la nave espacial (Charlton Heston) pierde la voz al ser herido y sirve de experimentación a la pareja de chimpancés científicos formada por Zira y Cornelius (Kim Hunter y Roddy McDowall). Cuando intenta huir hacia la llamada Zona Prohibida, ya con la voz recuperada y junto a una bella compañera, descubre que no tiene escapatoria al encontrarse con los restos de la estatua de la libertad en una playa desértica. Restos evidentes de que ha viajado al Nueva York del futuro por lo que su viaje ha sido en el tiempo. Este planeta que parecía desconocido, no es otro que la Tierra después del holocausto nuclear y dominada ahora por los simios.

Muchos son los aciertos de esta película. El primero de todos, este final que acabo de comentar y que es absolutamente genial, tanto por su importancia argumental como por su impacto visual. También resulta encomiable la interpretación y la credibilidad de los actores que hacen de simios, apoyados por una magnífica labor de vestuario y maquillaje con unas prótesis de latex del equipo dirigido por John Chambers, que significaron una revolución para la época.

El guión nos hace reflexionar respecto al papel de la investigación científica con animales y en general en nuestra presumible superioridad intelectual sobre el resto de los seres vivos. Esta parábola social está llena de aciertos argumentales y visuales. Algunas de sus secuencias y diálogos se han convertido en míticos para el aficionado a la ciencia ficción y al cine en general.

BENEATH THE PLANET OF THE APES(REGRESO AL PLANETA DE LOS SIMIOS, 1970)

La secuela no se hizo esperar y así en 1970 se estrena con la dirección de Ted Post y contando en el reparto con James Franciscus, Linda Harrison, Maurice Evans, James Gregory y Charlton Heston. La ausencia de Roddy McDowall, que no pudo interpretar al simpático chimpancé doctor, se debe a la simultaneidad de rodajes del actor aunque su nombre aparece en los créditos.

La historia continua con el descubrimiento de que la Zona Prohibida formada por las ruinas de Nueva York, se encuentra poblada por humanos mutantes supervivientes del holocausto nuclear. Estos adoran a una bomba atómica que acabará estallando y destruyendo el planeta, aunque antes la pareja de chimpancés doctores, Zira y Cornelius, conseguirá escapar en una nave espacial con rumbo desconocido.

Es una secuela mediocre que tira por tierra todo el encanto de su predecesora y da mayor protagonismo a los humanos mutantes que a los fascinantes simios. Charlton Heston tiene una intervención muy breve, casi testimonial, y el final deja claro que habría continuación.

ESCAPE FROM THE PLANET OF THE APES (HUIDA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS, 1971) - Don Taylor

Al año siguiente del estreno de la secuela, tenemos la tercera parte de la saga dirigida por Don Taylor. Roddy McDowall retomaba su papel de la primera película, de nuevo junto a Kim Hunter.

La película empieza con el viaje de la nave espacial que lleva a los chimpancés a retroceder hasta el pasado, del cual partieron los astronautas norteamericanos, y su aterrizaje en la Tierra antes de ser dominada por su especie.Por lo tanto, vuelven a los años setenta, cuando todavía los humanos no imaginaban que acabarían siendo dominados por los simios.

Ahora los simios son analizados en la Tierra por doctores humanos y al revelar su inteligencia y empezar a hablar son aceptados popularmente y se hacen famosos. La actitud de los hombres cambia cuando descubren que vienen del futuro y la amenaza de que en éste la Tierra estará dominada por simios superiores a los hombres y que el planeta acabará destruido por la explosión de una bomba atómica. Son perseguidos para acabar con sus vidas y aunque finalmente la pareja de chimpancés muere, su hijo recién nacido se salva al ocultarlo en un circo.

CONQUEST OF THE PLANET OF THE APES (LA REBELIÓN DE LOS SIMIOS, 1972)

Dirigida por J. Lee Thompson nos narra como Cesar, el hijo de los chimpancés, acaudilla a su raza contra la humanidad, en una sociedad que ha esclavizado a los simios después de la muerte por una epidemia de sus animales de compañía preferidos: perros y gatos. Roddy McDowall vuelve a deleitarnos con su interpretación, pero esta vez se esconde tras la careta de Cesar.

Es una película con buenas dosis de violencia pero que sigue teniendo encanto y consigue algunas escenas impactantes. Personalmente le tengo cariño porque es la única de las entregas de la saga que pude ver en pantalla grande.

BATTLE FOR THE PLANET OF THE APES (LA BATALLA POR EL PLANETA DE LOS SIMIOS, 1973)

La saga acaba dirigida por el mismo director que la anterior y en la que la calidad llega a sus niveles más bajos. Ahora se nos ofrece las luchas entre simios por el planeta y todo se desarrolla como una simple película de aventuras. Los humanos empiezan a convertirse en mutantes debido a una radiación y para así poder unirse argumentalmente con las películas predecesoras. El guión acaba complicándose más al llegar a insinuar la existencia de mundos paralelos.

Fue la única película de la saga que no se estrenó en España en pantalla grande. Roddy McDowall vuelve a estar presente entre los actores del reparto.

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Al concluir el rodaje de esta quinta película, murió el productor Artur P. Jacobs y como la saga había decaído mucho, no se hicieron más continuaciones.

Las apariciones de los simios siguieron en una serie de televisión de la CBS en la que, como no, Roddy McDowall estaba en el reparto; Planet of the Apes (El Planeta de los simios, 1974) de 14 episodios. Luego también hubo una serie de animación: Return of the Planet of the Apes (1975-76) de 13 episodios.

El argumento central de la saga, la idea-base sobre la que gira toda la historia, es decir, que la Tierra acabe dominada por los simios que se hacen superiores a los humanos, se contradice cuando pensamos un poco en el guión a partir de la tercera de las películas. Si los chimpancés doctores vuelven al pasado y son los padres del chimpancé que logrará que su raza predomine sobre los hombres de la Tierra, resulta que la pareja de chimpancés vive en dos tiempos a la vez (pasado y futuro), teniendo un hijo que será su antepasado en el futuro. Esta claro, que no pueden ser padre del caudillo simio y descendiente a la vez de éste. Se trata de una paradoja y una triquiñuela argumental que se sostiene con poca credibilidad.

Esta argucia del guión no debe ser obstáculo para asegurar la importancia que ha tenido la saga de “El planeta de los simios” en el cine fantástico. Su éxito en los años setenta fue abrumador con las cinco películas, las series de televisión, los comics o los juguetes y todo tipo de merchandising que explotaba el filón simiesco.

Tim Burton dirigió el remake Planet of the Apes (El planeta de los simios, 2011) y hace nada se ha estrenado una precuela a la saga de los setenta, con el título de Rise of the Planet of the Apes (El origen del planeta de los simios, 2011) - Rupert Wyatt, principal empuje para que haya escrito este artículo.

Volviendo a la clásica saga de la década de los setenta, se encuentra editada en un pack de DVDs y por último también recomiendo la lectura del librito El planeta de los simos - Santi Hernández de Middons Editorial.

LES FEMMES DU 6ÈME ÉTAGE (2010) - Philippe Le Guay

2011-11-22T19:55:00.001+01:00

Situada en París a principios de los años sesenta, es una comedia amable sobre un grupo de sirvientas españolas que influyen en la vida de un parisino. Ellas viven en el sexto piso, las buhardillas, de un edificio de clase media alta y trabajan en las casas de sus propietarios.

Es una producción francesa de un director que en España no ha estrenado nada. Supongo que esta película sí que acabará estrenándose ya que aparte del interés de la trama para nosotros, también tiene un reparto con varias actrices españolas: Carmen Maura, Natalia Verbeke, Lola Dueñas, Berta Ojea, Nuria Sollé o Concha Galán. Por la parte francesa está la buena interpretación de Fabrice Luchini que lleva la mayor parte del peso de la trama y le acompaña la actriz Sandrine Kiberlain que interpreta a su esposa.

Aunque el tono es en todo momento de comedia, es curioso el aspecto sociológico en el que las españolas son tratadas como inferiores en un ambiente parisino de otro nivel económico y cultural. Los problemas con el idioma, sus creencias religiosas, la nostalgia por la patria o las diferencias culinarias, forman un bonito puzzle que refleja como nos veían los franceses en esos años de dictadura franquista en los que los españoles tenían que emigrar para ganarse el pan.

Me gusta mucho la presencia de Carmen Maura que borda su papel y también creo que Natalia Verbeke consigue un buen personaje, pero mi interés es sobre todo por como se ve la emigración española desde el punto de vista de ellos, los franceses que recibieron a las españolas para trabajar en sus casas, y no desde el nuestro, aspecto que también ha reflejado el cine español en alguna película. Ahora me viene a la cabeza Vente a Alemania, Pepe (1971) - Pedro Lazaga.

BONNIE AND CLYDE (1967) - Arthur Penn

2011-11-20T19:07:00.003+01:00

Una de las películas que dieron un nuevo aire al cine de Hollywood es la historia de estos dos míticos forajidos de los años 30. La dirige Arthur Penn, después de que fuera candidato a hacerlo François Truffaut, y se nota en su realización la influencia del cine francés de la nouvelle vague, dónde sus guionistas buscaron la inspiración.

Interpretada por Warren Beatty y Faye Dunaway en sus papeles protagonistas y producida por el primero que la sacó adelante cuando conoció el guión de Robert Benton y David Newan. En papeles secundarios pero importantes están Gene Hackman, Michael J. Pollard, Gene Wilder y Estelle Parsons (que fue premiada con un oscar).

Con una concepción visual moderna y unos personajes libres de moral y algo desarraigados, la historia muestra su ya mencionada influencia del cine francés de la época, además de ayudarse de un rodaje en exteriores y el uso de la violencia. Esta característica es lo más destacable, porque la trama avanza con escenas violentas en las que no se juzga a los personajes por su manera de ganarse la vida y más bien se subrayan esos momentos con ralentizaciones, primeros planos sangrientos y amoralidad , en los que se supone son los personajes con los que se tiene que identificar el espectador.

Tampoco se obvia el tema sexual y los problemas que tiene Clyde para satisfacer a Bonnie, que se muestra en varias secuencias, diálogos y en la cara de insatisfacción que la bella Faye Dunaway no deja de poner en varios momentos. Warren Beaty está encantador, a las mil maravillas dentro del papel del ganster que interpreta.

Es una película de atracos a mano armada, también una road movie (los coches están muy presentes en toda la trama), sin que falte el amor y la violencia. No responde a un producto clásico de Hollywood y su éxito dejó huella en muchos de los directores que asaltarían (esta vez sin armas) la fábrica de los sueños a partir de su estreno.

THE ART OF GETTING BY (EL ARTE DE PASAR DE TODO, 2011) - Gavin Wiesen

2011-11-20T12:20:00.003+01:00

Opera prima del realizador Gavin Wiesen que ha tenido en España una muy corta vida en los cines. Estrenada en Madrid en sólo tres salas y sin copia en versión original, en pocas semanas fue retirada de la cartelera.

Sin duda, su propuesta es fresca y a pesar de que abundan los clichés y un final fácil de preveer, mantiene un tono amable y sabe contar con buenas dosis de lucidez, la relación entre George, un joven estudiante que no ve sentido a hacer cosas en la vida para labrarse un futuro, y la guapa Sally que mantiene con él una relación dónde se mezcla la amistad y un incipiente amor.

Sally es interpretada por Emma Roberts (sobrina de Julia) y me resulta curioso que vuelva a lidiar con un personaje que conoce a un chico deprimido y con tendencia al pesimismo, como en la que por aquí comenté hace poco: It's kind of a funny story. Parece que su dulzura va bien con la terapia para gente con problemas de baja autoestima. Me tengo que pensar usar esa estrategia.

Puede que la propuesta no sea nada del otro mundo pero me gusta como se plantea la historia, como va evolucionando la relación entre los chavales y como el arte (el dibujo, la pintura) es capaz de hacer que el protagonista aparezca con cierto empuje vital creativo. Vale, que no hay forma de ahorrarse un final de graduación, reconciliación, besos y planes de felicidad; pero antes de llegar allí, le cojo cariño a George (encantador con el rostro de Freddie Highmore) y hasta me da tiempo a pensar como la bella de la función puede verle algo al zarrapostroso pintor en ciernes con el que tiene un romance.

Por cierto, por aquí aparece en un papel secundario Sasha Spielberg, hija del famoso director, que pasa bastante desapercibida, tanto por su físico como por un papel con poco que rascar, aunque la chica (IMDB dixit) ya va haciéndose una buena filmografía.

SPEEDY (RELÁMPAGO, 1928) - Ted Wilde

2011-11-18T22:56:00.001+01:00

Última película muda de Harold Lloyd que además destaca por el rodaje en exteriores, principalmente las calles de Nueva York y en el parque de atracciones de Coney Island.

La actriz protagonista es Ann Christy que sustituye a Robina Ralston después de que hubiera interpretado las últimas seis películas de Harold Lloyd, en cambio la nueva actriz no volvió a repetir con él. También interviene el jugador de béisbol Babe Ruth, toda una leyenda de este deporte que participó en otras películas, sobre todo en la famosa The Pride of the Yankees (El orgullo de los Yankis, 1942) - Sam Wood.

No se trata de una historia demasiado complicada: Harold es despedido de sus trabajos porque le gusta demasiado el béisbol. Como el padre de su novia es extorsionado para que abandone su tranvía de caballos, el único que queda en Nueva York, el valiente joven se enfrentará a los matones con ayuda de los comerciantes del barrio. Con estos ingredientes, tenemos una comedia urbana, sencilla y divertida.

Aparte de la curiosidad de poder contemplar las calles de Nueva York a finales de los años 20, justo antes de la Gran Depresión, sirve para demostrar que Harold Lloyd es el cómico más urbano del cine mudo. Su personaje es un tipo normal que vuelve a hacer un acto de valentía cuando es necesario.

En general, la trama se me hace cansina (de nuevo una escena de acción en la parte final) pero la veo entretenido y celebro algunos de sus ocurrentes gags. Finalmente no me gusta tanto como otras de las películas del cómico y la termino con ganas de pasar a su etapa sonora.

PULP FICTION (1994) - Quentin Tarantino

2011-11-17T19:32:00.002+01:00

Después de Reservoir Dogs (1992) y el guión de True Romance (Amor a quemarropa, 1993), el joven Quentin Tarantino, estrena la película que le hizo tener una legión de seguidores y le granjeó fama mundial.

Pulp Fiction se sirve de una narración troceada, con varias historias y un puñado de personajes que se interrelacionan en una trama común. Lo original de Tarantino es su propio estilo y lo que le hace diferente de otros directores. Guionista y a veces actor en su universo fílmico, sus películas no me dejan indiferente. Al contrario, me parece un tipo con un excelente sentido visual, buen narrador y con gran pulso cinematográfico. No creo que sea el summun del cine pero si lo considero un creador mayúsculo en el cine norteamericano y alguien del que me interesan todas sus obras.

En esta película, presenta sin complejos a una inolvidable pareja de matones interpretados por John Travolta (recuperado para el cine después de varias comedias tontas) y Samuel L. Jackson. Sus hilarantes diálogos y verborrea sin fin, son la puerta abierta para disfrutar con el resto de seres que pueblan la historia: un boxeador obligado a dejarse ganar en el ring, la atractiva novia del jefe de los matones, el especialista en resolver asuntos sucios, una pareja de atracadores y hasta dos extraños amigos que se dedican a secuestrar y violar a quién cae en su indeseables garras.

Para ponerles rostro a todos ellos y al resto de la galería de personajes, aparecen por allí Bruce Willis, Uma Thurmann, Harvey Keitel, Rosanna Arquette, Tim Roth, Maria de Medeiros y Eric Stoltz entre otros. Sin duda, un plantel de lujo.

La película está llena de escenas brillantes así como impactantes. Me quedo con el baile de John Travolta y Umma Thurman, así como la mayoría de los divertidos dialogos que inundan la pantalla de principio a fin. No puedo olvidarme de la música, del giro inesperado del boxeador y el jefe de los mafiosos atrapados en la terrorífica tienda, así como de ese gran matón interpretado por Samuel L. Jackson que me parece genial.

No es una película que beba directamente de fuentes clásicas, pero sabe exprimir su bazas, juntar un montón de referentes visuales directamente extraídos de la serie B, del cine y la literatura popular, para conseguir mantenerme interesado, divertido y fascinado por lo que me cuenta, además de enganchado a sus originales propuestas. Imposible que algo así me dejará indiferente en la sala grande y ahora, años más tarde, me sigue gustando revisionarla. Comulgo con el estilo de Tarantino y no le quito ni un gramo de mérito a su trabajada labor detrás de la cámara. Es uno de los grandes directores del cine actual.

TRESPASS (BAJO AMENAZA, 2011) - Joel Schumacher

2011-11-17T17:54:00.002+01:00

Mirando al equipo de la película pienso que Joel Schumacher es un director del que no me gusta casi nada de su filmografía. Lo último que vi con su firma fue la regularcilla Phone Bootth (Última llamada, 2002); pero las estrellas que interpretan este nuevo film, todavía no estrenado por estos lares, son Nicholas Cage y Nicole Kidman, por lo que le doy una oportunidad, tiro del P2P y me dispongo a ver un thriller de tensión sobre unos ladrones que entran en una casa a robar a una familia adinerada.

No hay que llevar muchos minutos para darse cuenta de que es una absoluta mediocridad. Gritos y más gritos, actuaciones lamentables, un guión lleno de giros, sin fuerza ni suspense ni buena dirección. Lo peor son esas escenas en flash back que se repiten innecesariamente, muy mal contadas y fuera de ritmo. Alucino con lo mal que está dirigida, su horrible guión y el lamentable resultado final. Acabo totalmente fuera de la historia, sin interés por los personajes ni ganas de involucrarme en una cinta carente de la mínima calidad.

Además se me hace ridículo ese mensaje final de la familia unida jamás será vencida. Menos mal que por sacarle algo a su visionado, me ha servido para comprobar que el rostro de Nicole Kidman ha ganado movilidad, pero es por agarrarme a algo positivo. Sin más vueltas que darle, es un producto comercial de los malos que exprime el tirón de sus protagonistas y que quiero olvidar tan pronto como se acaba.

MR. NOBODY (LAS VIDAS POSIBLES DE MR. NOBODY, 2009) - Jaco Van Dormael

2011-11-17T17:14:00.003+01:00

Apuesta por una narrativa con diversos caminos argumentales que pese a sus aciertos visuales, escenas emocionantes y un buen inicio en la historia, se acaba diluyendo en un derroche narrativo que no acaba de cuajar. No me extraña que tenga tanto defensores como críticos acérrimos porque es una lástima que esta película de ciencia ficción, no me haya convencido más por sus atrayentes grandes momentos, con lo que tengo que rendirme ante la evidencia de que el proyecto es excesivo en metraje y pretensiones.

Del director belga Jaco Van Dormael, tengo un buen recuerdo de Toto le héros (Toto, el héroe, 1991) y un trabajo más flojo como Le huitième jour (El octavo día, 1996); aunque aquí parece haber tenido un gran apoyo presupuestario que diera forma a un film tan ambicioso.

Tal vez esa ambición es de lo que peca la historia de Mr. Nobody, que pese a contar con una excelente actuación de Jared Leto, y de las interesantes Sarah Polley y Diane Kruger, no me parece un buen resultado final para lo que la cinta prometía.

Fue uno de esos estrenos que se me escaparon en sala grande y que ahora recupero en DVD con montaje del director que todavía añade más minutos a su evidente inadecuada duración. No obstante, me gustan muchas de sus propuestas tanto visuales como de guión y pese a que me parece irregular, no puedo negar que contiene varias secuencias más que brillantes. De acuerdo, no es una mala película, pero me la esperaba algo más excelente.

THE KID BROTHER (EL HERMANITO, 1927) - Ted Wilde, J.A. Howe, Lewis Milestone y Harold Lloyd

2011-11-14T23:29:00.003+01:00

Hasta tres fueron los directores de esta película ya que diversos problemas hicieron que tuvieran que ir siendo sustituidos y finalmente también es considerado a Harold Lloyd como director de la cinta porque fue uno de sus proyectos más personales y la película preferida de su filmografía.

Al igual que Grandma's Boy (El mimado de la abuelita, 1922) dicen los expertos que la inspiración de esta película viene de Tol'Able David (1921) - Henry King. Además hay que destacar que en su rodaje se utilizaron todo tipo de alardes técnicos para captar determinadas escenas con las cámaras.

El argumento se resume en el héroe que es tratado como un ser inferior por su padre en comparación con sus dos hermanos más fuertes y valientes. El amor por una chica (una vez más Jobyna Ralston) y la necesidad de demostrar su valor por unas circunstancias especiales, sacan lo mejor de la personalidad del personaje de Harold.

Es cierto que este tema lo utilizó más de una vez en su obra, pero también que aquí se nota que el producto está muy cuidado con escenas intimistas, gags logrados y un brillante final de acción sin pausa. No es solo el papel de la pareja protagonista el que vale la pena de los actores, ya que todos están más que perfectos y con la sorpresa de la actuación de un divertido chimpancé.

Buster Keaton se fijó mucho en el cine de Harold Lloyd. Examinando la filmografía de ambos, se encuentran más de una casualidad: Keaton rodó El colegial después de El estudiante novato, igual que El maquinista de la General parte de la admiración de Keaton por El mimado de la abuelita y hasta el primate que sale en la que aquí comento aparece luego en The Cameraman. Y es que Harold Lloyd fue un cómico muy importante en la época del cine mudo y merece ser considerado dentro del trío de ases formado junto con Charles Chaplin y Buster Keaton.

Consideraciones histórico.-cinematográficos aparte, The Kid Broher no me parece la mejor de sus obras pero si que tiene pasajes que son geniales dentro de su fimografía: la lucha final en el barco, la escena en la que va escalando un árbol para despedirse de la chica o cuando sus hermanos le preparan el desayuno mientras se hace pasar por ella escondido detrás de una cortina.

FRIENDS WITH BENEFITS (CON DERECHO A ROCE, 2011) - Will Gluck

2011-11-14T17:52:00.002+01:00

La eterna pregunta: ¿un hombre y una mujer pueden mantener una relación sexual y seguir siendo amigos? Por lo pronto, ya el cartel juega con esa atracción sexual entre los protagonistas y el título original (así como el usado en España) describe con frases hechas, el acuerdo que pactan ambas partes, algo que ya vimos hace poco en No Strings Attached (Sin compromiso, 2011) de Ivan Reitman.

Vamos a tener los ingredientes de una comedia romántica norteamericana que no deja de ser bastante interesante en su planteamiento inicial para lo que la media del género ofrece. Los atractivos actores Justin Timberlake y Mila Kunis consiguen cierta empatía entre ellos y con un espectador no demasiado exigente. Por detrás de las cámaras, tenemos el referente de que al igual que Easy A (Rumores y mentiras, 2010) es producida y dirigida por Will Gluck, que no se resiste a que Emma Stone, la actriz de éste film, haga un cameo en las primeras escenas.

Es cierto que la historia se alarga demasiado, que algunas escenas son innecesarias (las apariciones del deportistas de snowboard ), ridículas (las coreografías) o fuera de tono (el personaje del padre con alzheimer interpretado por Richard Jenkins); pero también veo como validas algunas de sus propuestas: reírse de los postulados de la comedia romántica e intentar ser atrevida en las escenas de sexo. Lo malo es que hay que quitarle méritos a esos aciertos porque por un lado la trama acaba siendo previsiblemente romántica y más que directa al happy end; mientras que por otro, se rinde en su propuesta inicial al aceptar que es una comedia romántica típica y tópica en toda su parte final.

Nada importa tanto. Es un producto de consumo. Ni siquiera la "R" con la que se le calificó en USA es signo de nada. Tampoco hay que pedir más que el rato entretenido que se pasa viéndola con dos actores frescos y algún momento destacable. Si tengo que elegir algo, son las apariciones de unos divertidos Woody Harrelson y Patricia Clarkson. El resto acaba siendo una comedia romántica más, que pasa sin pena ni gloria a pesar de su rebeldía inicial.

THE WEATHER MAN (EL HOMBRE DEL TIEMPO, 2005) - Gore Verbinski

2011-11-13T20:16:00.002+01:00

David Spritz es el hombre del tiempo de las noticias de una televisión de Chicago. A pesar de su popularidad, su vida es insatisfactoria por su situación de divorciado con dos hijos adolescentes problemáticos y sobre todo porque no encuentra la meta de lograr parecerse a su padre, un escritor galardonado con varios premios importantes.

Este breve esbozo de su argumento, ya da una pista de que la película no es otra historia condescenciente a las que nos tiene acostumbrados el actual cine norteamericano. Aquí la historia fluye con un desencanto emocional del protagonista que entre avatares sentimentales y una voz en off que subraya los puntos tragicómicos del relato, nos hace acompañarle en un momento delicado de su vida.

Claro que este punto de vista alejado de un devenir fácil para el espectador, es lo que no le aupó a ser un buen éxito de taquilla y justo lo que a mí me ha atraído de la propuesta del director Gore Verbinski que, por otro lado, tiene una carrera bastante comercial ya que ha dirigido tres de las entregas de Piratas del Caribe y otras cosas como Mousehunt (Un ratoncito duro de roer, 1997), The Mexican (2001), The Ring (2002) o Rango (2011).

Ni que decir tiene que gran parte de su atractivo es el adecuado reparto. Nicholas Cage pone la cara de bobo que el personaje requiere y tanto Michael Caine, Hope Davis o los actores infantiles, dejan huella dentro de sus roles.

Sin ser una película excelente, no puedo dejar de quedarme con una gran impresión de su visionado y tanto en los temas tratados (la insatisfacción en la edad madura, los problemas de tener una vida pública, el deseo de emular los éxitos de la figura paterna o la difícil relación entre padres e hijos), me llevan de la mano en una obra interesante y muy disfrutable.

DREAM HOUSE (DETRÁS DE LAS PAREDES, 2011) - Jim Sheridan

2011-11-08T18:13:00.002+01:00

Tengo un par de horas libres antes de mi vuelta al trabajo en mi jornada laboral partida del día de hoy. Delante de la cartelera escojo la única opción que por horario y por interés, me parece viable. Acepto con resignación que tengo que ver una película doblada en el cine. Sinceramente, salvo alguna cinta de animación como Toy Story 3 o Shreck tercero, no recuerdo nítidamente la última vez que vi una película doblada y haciendo alarde de memoria creo que en cine hará más de cuatro años y que también debía ser una cinta para el público infantil.

La historia va de una casa habitada por una nueva familia que descubre que allí se cometieron varios crímenes. Y salvo un muy relativo interés en sus primeras escenas, la cosa acaba decayendo hasta un nivel de absoluto aburrimiento, previsible desenlace y personajes planos.

De Jim Sheridan, EL director, recuerdo sus cuatro primeras películas: My Left Foot (Mi pie izquierdo, 1989), The Field (El prado, 1990), In the name of the Father (En el nombre del padre, 1993) y The Boxer (1997). Me parece inexplicable que un tipo que ha dirigido esas cuatro buenas pelis, sea el responsable de este engrendro de sustos mal contados, muertos, aparecidos y dobles personalidades con tufo a telefilme de sobremesa.

Se me olvidaba decir que la sufrí en solitario ya que la pusieron para mí solito en un sala con lo que pensé que si era de terror (da miedo pero sólo por lo mala que es) podría pasar un rato emocionalmente intenso mientras la veía. Buscando información sobre su rodaje, encuentro que Jim Sheridan tuvo problemas con la productora y solicitó que quitaran su nombre de los créditos. Parece ser que no lo consiguió. Espero que siga arrepintiéndose de su participación, al igual que los actores que en ella intervienen: Daniel Craig, Naomi Wats o Rachel Weisz. Yo sí que me arrepiento de haberla visto en el cine en vez de haber perdido mi tiempo paseando por Madrid.

TERRI (2011) - Azazel Jacobs

2011-11-06T15:51:00.002+01:00

Terri es un adolescente obeso que vive con su depresivo tío. Es constante objeto de burlas del resto de sus compañeros de instituto, pero el interés que el director del centro empieza a demostrar hacia él, le hace cambiar la perspectiva de su existencia.

Cinta independiente norteamericana, todavía no estrenada en España y que cuenta en su reparto con Jon C. Reilly, el único actor conozco de los que en ella participan. Creo que tampoco han llegado por aquí las otras películas dirigidas por Azazel Jacobs, como tanto cine que se escapa a los cánones comerciales que no tienen mucha vida internacional fuera de sus fronteras de origen.

Es una buena historia de tintes sociales, en las que el personaje marginado de Terri, es el centro de argumento. Lo interesante es entrar en su mundo y comprender que es así por las circunstancias que le rodean. Terri se ocupa de su tío enfermo, sabe que no tiene opciones con las chicas, ha decidido ir siempre en pijama porque le resulta más cómodo y le duele que el interés del director por él le haga pensar que solamente es uno de los alumnos raros a los que éste dedica su tiempo.

La película avanza con agilidad y se ve sin demasiados altibajos. Es una historia de adolescentes, de inadaptados, de esa época tan dura de la vida en que uno puede sentirse excluido del grupo y debe aceptarlo con todas las consecuencias. No es una gran maravilla pero si lo suficientemente honesta como para merecerse una oportunidad. Al igual que le pasa al personaje de Terri.

TRON: Legacy (2010) - Joseph Kosinski

2011-11-06T15:32:00.000+01:00

Secuela de Tron (1982) - Steven Libersberg, esta revisitación del universo de la película de los ochenta, viene actualizado tecnologicamente con la novedad de que el villano de la función sea una versión digital del actor Jeff Bridges que también participa en el argumento como uno de los protagonistas.

Aburrimiento es mi sensación durante casi todo el metraje, del que solamente vi con relativo interés la primera media hora. Luego, acabo aturdido por un argumento banal (un videojuego en el que hay que superar niveles, programas contra usuarios, ciclos como medida del tiempo) que no me lleva a ninguna parte como espectador. Es la primera obra de su director y supongo que habrá tenido éxito en taquilla pero visto el resultado, no me sumo al aplauso.

Los efectos especiales y la presencia de la bellísima Olivia Wilde, no consiguen que el resto me parezca un producto hinchado, con algunos homenajes a su antecesora (que en realidad, tampoco recuerdo con demasiada nitidez) y sin su encanto naif que solamente me deja una apabullante importancia de la parte visual sobre el resto. Si me aburro, si la banda sonora me agota, si la trama no me importa nada y si estoy con ganas de que la función se acabe de una vez por todas; no me queda otra que decir que es un auténtico ladrillo con el que me arrepiento de haber perdido el tiempo.

EVA (2011) - Kike Maíllo

2011-11-04T17:58:00.003+01:00

La ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya) ha producido por medio de Escándalo Films, este debut de Kike Maíllo como director. Y no ha escatimado medios porque tanto el reparto como el equipo técnico, son de primera categoría dentro del cine español.

Ya se habían estrenado películas de alumnos de la ESCAC. No quiero dejar de enumerar las que he visto: Lo mejor de mí (2007) - Roser Aguilar, Tres dies amb la família (Tres días con la familia, 2009) - Mar Coll y Blog (2010) - Elena Trapé. Todos proyectos interesantes pero no tan arriesgados económicamente como en este nuevo estreno.

Eva es una película encuadrada en el género de ciencia ficción con unos efectos especiales que mantienen un nivel prodigioso. Ese miedo que puede tener el espectador a que la parte técnica quede cutre, aquí no vale porque se solventa con mucha calidad. Pero es que además, es una ciencia ficción humanista en la que los robots y androides, son una parte muy importante de la historia, consiguiendo una perfección formal y una implicación emocional que no tiene porque envidiar a otras producciones exitosas de las que podría dar ejemplos como A.I. Inteligencia Artificial (2001) de Steven Spielberg, título al que recuerda temáticamente.

Niños robots, androides de servicio, ingenieros, paisajes nevados, relaciones de amor, disputas fraticidas, tensión y un plantel de actores encabezados por Daniel Brühl, Marta Etura y Alberto Amman; a los que se suman la enigmática niña Clàudia Vega y el sorprendente Lluís Homar que interpreta a un androide inolvidable. En la parte digital, está ese increíble gato independiente que acompaña al protagonista con un genial desparpajo.

La trama pierde fuerza en su parte final. Puede que por la caprichosa decisión de empezar a contarla en un prólogo que revela algún detalle, pero en su mayor parte, acabo enredado en sus imágenes, disfruto de su perfección formal y de lo que me están contando, así como saboreo la banda sonora que subraya algunas de las mejores escenas. En definitiva, toda una grata sorpresa para cualquier aficionado al buen cine de ciencia ficción con aire retro y tecnología actual al servicio de una historia con profundidad.

LOPE (2010) - Andrucha Waddington

2011-11-02T14:17:00.000+01:00

Coproducción hispano-brasileña en la que la mayoría de actores son españoles y el director es el brasileño Andrucha Waddington. Una apuesta económicamente fuerte que se deja notar en la gran dirección artística que envuelve el producto. No se echan en falta buenas localizaciones, extras y cuidada fotografía que le da el tono adecuado de época.

Lope de Vega es el tema y personaje a tratar, pero solamente en una parte de sus vivencias: cuando comenzó a escribir comedias teatrales y en el conflicto amoroso entre dos mujeres interpretadas por Pilar López de Ayala y Leonor Walting. Un acierto de visión sobre lo comercial que puede ser esta apuesta por contar un retazo de la juventud de Lope, alejada de otras propuestas de la cinematografía española en el género histórico, que han resultado verdaderos desastres.

Aquí hay un gran esfuerzo que da sus frutos. Alberto Amman compone un brillante Lope, audaz en su creatividad, poesía y ganas de renovar el teatro de corrala; los secundarios están más desequilibrados: Luis Tosar, Juan Diego, Antonio Dechent, Sonia Braga o Antonio de la Torre; y algunas secuencias me parecen espléndidas en su concepción y puesta en escena. Me gusta mucho cuando Lope inventa un soneto, el final poético y romántico, o las representaciones teatrales.

Hace poco comenté por aquí con entusiasmo, El perro del hortelano dirigida por Pilar Miró, e igual que allí alababa la genial adaptación de un texto teatral de Lope de Vega, aquí quiero aplaudir el empeño en llevar parte de su vida a la pantalla en este biopic.

No creo que Lope tenga mucho que envidiar a otras producciones extranjeras sobre grandes literatos. A mí me parece que se merece un aplauso por su empeño en un tema nada fácil y que sus responsables pueden alzar la cabeza sin sonrojo por haber realizado una película más que estimable. Sirva de homenaje decir que "ésto es buen cine y quién lo probó lo sabe".

LA MUJER DEL ANARQUISTA (2008) - Peter Sehr y Marie Noëlle

2011-11-02T13:43:00.001+01:00

Marie Noëlle debuta como directora en este largometraje que cuenta parte de su historia familiar. Para ello se acompaña en la dirección de Peter Sehr y en el guión de Ray Loriga.

Su estreno en pantalla grande me pasó desapercibido y ahora la recupero gracias al programa "Versión Española" de TVE. Además, el coloquio posterior con sus dos protagonistas y la directora, consigue ofrecer más luces y puertas abiertas sobre la película.

Durante la guerra civil española, Madrid se encuentra sitiada por los nacionales y el matrimonio formado por Manuela y Justo, se rompe cuando él, abogado afín a la República, tiene que viajar hasta Francia en su labor colaboradora con la resistencia. La historia ambientada en esos duros años de guerra, cuenta el amor entre esta pareja que a pesar de los avatares en los que les toca vivir, siempre buscan el desahogo en sus sentimientos y en su unión familiar.

Juan Diego Botto y María Valverde, son la pareja protagonista, de una película que en principio no termina de arrancar con fuerza (demasiadas cosas que contar y todo un poco desvalazado) pero que en su desarrollo va cogiendo textura y acaba con elogios por el acierto de llevar a la pantalla, una visión sobre ese exilio terrenal y también espiritual, que sufrieron muchos españoles durante la guerra civil.